Sexo gratis

Sí, este blog se está politizando y no lo oculta
Sí, el autor considera que la Iglesia Católica es el mayor cáncer de la historia de España
Sí, también me pregunto cómo es posible que los católicos digan sentirse perseguidos cuando llevan siglos persiguiendo y exterminando ideas que no sean las suyas. Habrá más, stay tuned.


ANTE LA VISITA DEL PAPA NOSOTROS/AS NO TE ESPERAMOS
Los días 8 y 9 de julio el Papa vendrá a Valencia a clausurar el Quinto Encuentro Mundial de las Familias. La doble condición que ostenta –cabeza de Estado del Vaticano y cabeza de la Iglesia católica- hace que esta visita no deje indiferentes a los ciudadanos y ciudadanas, tanto si estos son católicos como si no profesan ninguna religión, sobretodo porque las posturas públicas de la Iglesia inciden en las valoraciones de los derechos y deberes de la ciudadanía. Por otro lado la implicación, el apoyo incondicional que están prestando las diferentes administraciones de la ciudad, la Diputación, la Generalitat y el Estado está mucho más allá de lo que es tolerable en un Estado aconfesional. No es aceptable que las instituciones públicas estén destinando un volumen ingente de recursos humanos, económicos, infraestructuras... a unos actos que no dejan de ser una propuesta de una organización, la Iglesia católica, que ni nos representa a todos ni es parte del interés común que debe guiar la actuación de los poderes públicos. Y todo eso en un acto que impone un modelo excluyente de familia.Los grupos, colectivos y organizaciones que suscriben este documento, plurales y distintos en su orientación política, composición ideológica, confesional o no, manifestamos:

1/ Estado laico y sociedad laica

No vivimos en una sociedad con una única cultura o una única religión. Esta realidad es un rasgo insoslayable del momento histórico y social, pero es también una oportunidad para enriquecer nuestra visión y vivir la solidaridad con “el otro”. Todos y todas tenemos derecho a ser y celebrar lo que somos: ateos, agnósticos, religiosos, creyentes... y armonizar mediante el diálogo y las prácticas concretas – defensa de los derechos humanos, sociales, ecológicos y una sociedad más justa- nuestras creencias con las de los otros y con la sociedad. Para que la convivencia sea posible y positiva para todos y todas, es necesario, como condición insoslayable, que el Estado sea laico, y haga posible en una sociedad laica, el ejercicio de los derechos inherentes a todo colectivo.Alertamos consecuentemente a ciertos sectores de la Iglesia católica para que eduquen su arrogancia confesional y asuman que el futuro pasa por la laicidad del Estado y de la sociedad con todas las consecuencias de respeto y de igualdad, sin ningún privilegio para una determinada religión. El Gobierno, por otro lado, debe ser consecuente con la aconfesionalidad que consagra la Constitución, legislar según criterios de laicidad y fomentar el respecto a la diversidad.

2/ Víctimas del neoliberalismo
El sistema neoliberal se desarrolla y se extiende a costa de crear exclusión y marginación en personas, pueblos y regiones. Reivindicamos la opción moral y ética a favor de los desfavorecidos y denunciamos el apoyo legitimador al sistema neoliberal que practican las confesiones religiosas. La connivencia que año tras año exhiben las autoridades católicas con los representantes del poder político y militar, como a la procesión del Corpus de Valencia, es una imagen plástica de esta perversión.Instamos, pues, al conjunto de la sociedad y, especialmente a todas las iglesias y tradiciones religiosas a trabajar por un planeta limpio, habitable y sostenible; a fomentar unas relaciones entre los pueblos y personas basadas en la solidaridad, la cooperación y el respeto mutuo; a comprometerse en la cultura de la paz, de la no-violencia activa y del diálogo como herramientas eficaces en la resolución de conflictos, y a optar decididamente por la desmilitarización de los estados y naciones como garantía de una paz justa en un horizonte posible. Todas y todos, incluidas las iglesias y religiones, se acreditarán hacia las generaciones futuras en la medida en la que les legamos la cultura de la paz y de la vida.

3/ Acuerdos Iglesia-Estado

En el origen de muchas situaciones de privilegio de la Iglesia católica y del conflicto con el Estado español están los acuerdos firmados entre la Iglesia y el Estado el 3 de enero de 1979. Estos acuerdos generan desigualdad de la Iglesia católica con las otras confesiones religiosas, condicionan la libertad de las dos instituciones firmantes y difícilmente algunos aspectos de estos acuerdos pasaría la prueba de su constitucionalidad. Propugnamos, pues, su denuncia y derogación.

4/ Estado del Vaticano

La existencia y reconocimiento internacional de este teocrático, minúsculo, artificial y anacrónico estado, la cabeza del cual es el Papa, es un privilegio y un atributo de poder que daña la representatividad de la organización internacional de las naciones. Recordamos que el Vaticano no ha firmado la Declaración Universal de los Derechos Humanos. Abogamos, pues, por la supresión y no reconocimiento de este estado.

5/ Sistema educativo y religión
Propugnamos un sistema educativo público, laico, democrático, de calidad y valenciano. Y eso no es compatible con la imposición de la enseñanza de la religión que defiende la jerarquía de la Iglesia católica, su influencia en la configuración y gestión del sistema educativo con criterios discriminatorios por razón de sexo, nivel socioeconómico..., su monopolio de la transmisión de valores de convivencia y cualquiera otro.El reto de la cohesión social que nos depara la juventud y la multiculturalitat exige el esfuerzo público por crear condiciones de igualdad de oportunidades para poder ejercer la libertad en el futuro.

6/ Cultura y valenciano
La tendencia a la censura del libre pensamiento, de la expresión artística o científica... en definitiva, de la cultura es una constantación que perdura a lo largo de los siglos en la historia de la Iglesia católica. No es extraño encontrarnos en nuestros días con prohibiciones o coacciones de las administraciones públicas instigadas desde la jerarquía religiosa sobre obras de teatro, festivales musicales, exposiciones... Reclamamos la plena independencia de la sociedad y las instituciones pública frente a las maniobras censoras.Por otro lado desde el infausto arzobispo Mayoral, hace casi 300 años, la Iglesia ha practicado la limpieza lingüística del valenciano. Ramon Llull, Ausiàs March, Joanot Martorell, Sor Isabel de Villena, Francesc Eiximenis, entre muchos otros, dan fe de la contribución literaria que hemos legado a la humanidad. Igualmente la Iglesia se ha caracterizado, especialmente el sector dirigente, por unirse a los sectores poderosos que han eliminado los rasgos culturales de nuestro pueblo y expulsado de su práctica la lengua de los valencianos y valencianas. Denunciamos enérgicamente como un atentado a la inculturación y a los derechos humanos la imposición forzada del castellano que ha sufrido la Iglesia del País Valenciano, así como su influencia decisiva en la castellanización de la sociedad, y reclamamos la reparación de este derecho conculcado.

7/ Ostentación y miseria
La madurez ética de una sociedad se manifiesta por la forma de tratar a los que ocupan los últimos lugares en lo escala social y por la preferencia de objetivos en la distribución del presupuesto público.En una sociedad democrática son las ciudadanas y los ciudadanos los que evalúan los acontecimientos públicos y tienen la última palabra. En primer lugar, ante la visita del Papa exigimos contención en los gastos públicos, sencillez y sobriedad, y transparencia financiera: de donde vienen los recursos económicos, quien los aporta y en cuanta cantidad, en qué se esmercen, etc. No hay que olvidar que a unos cientos de metros de distancia de donde se monta un tablado que cuesta más de 130 millones de pesetas, malviven inmigrantes bajo el puente porque la administración valenciana no dispone de ningún albergue.

8/ Diversidad familiar
Desde hace décadas asistimos a una importante transformación de las estructuras familiares en nuestra sociedad. Existen familias tradicionales, extensas o nucleares, monoparentales, reconstituidas, homoparentales, con hijos o sin, parejas de hecho... La liberación de la mujer, el reconocimiento de la dignidad de gays, lesbianas, transexuales y bisexuales, y sus traducciones legales en matrimonio, uniones de hecho, divorcio, filiación... son parte de esta evolución que encuentra la oposición intransigente de los sectores más reaccionarios de la sociedad que se oponen a cualquiera cambio que suponga perder el poder simbólico y real que ejercen sobre la sociedad en esta materia.Los gays, las lesbianas, los y las bisexuales y transexuales y también las madres solteras, las personas divorciadas... han sido colectivos estigmatizados, perseguidos, incluso, han sido quemados y condenados a muerte a lo largo de la historia. La Iglesia católica también tiene en este asunto las manos manchadas de sangre y de ignominia. Contrariamente a lo que cabría esperar para reparar sus fechorías históricas, cuando el Gobierno español agiliza el derecho al divorcio o amplía el derecho del matrimonio civil, la jerarquía católica se opone con vehemencia contumaz, de tal forma que sale a la calle a manifestar el rechazo al amor entre personas del mismo sexo, cosa que no hizo en la guerra de Irak y tantas otras reivindicaciones sociales.Recordamos al Papa y a la jerarquía católica que la competencia para legislar sobre las familias, el matrimonio o el divorcio es del Gobierno, y no de la Iglesia. Esta sólo tiene atribuciones sobre su sacramento, no sobre la legislación civil del matrimonio. Olvidar este hecho es pretender retornar al nacionalcatolicismo de infausta memoria, y es que la Iglesia Católica tuvo con su actuación en el alzamiento militar del 36 y durante el franquismo mucha responsabilidad colaborando en un genocidio, siendo parte activa, sin haber pedido disculpas ni reconocer errores.

9/ Las mujeres
Las iglesias, unas más que otras, son instituciones fuertemente marcadas por el patriarcalismo y por el machismo, y a lo largo de la historia han producido una teología misógina que ha considerado a las mujeres como prácticamente inductoras de todos los males, sobretodo de los que hacen referencia al sexo. Por otra parte, difícilmente podría haber sido de otra forma, si tenemos en cuenta que la producción teológica y la dirección de las iglesias han estado en las manos de teólogos y eclesiásticos célibes. Aún así, las mujeres a través de una tenaz y constante lucha van adquiriendo situaciones de igualdad en la sociedad civil. Contrariamente a esta tendencia emancipatoria, la jerarquía católica asume una retórica que loa las excelencias de las mujeres, pero en la práctica no les permite elegir libremente e, incluso, justifica los maltratos a las mujeres. Denunciamos por lo tanto esta práctica adulteradora y misógina, y exigimos la plena igualdad para la mujer. Hay que acabar con cualquier discurso o práctica discriminatoria hacia a las mujeres.

10/ Derechos reproductivos y salud sexual
El uso de los anticonceptivos en la vida sexual de las personas es el recurso que más ha humanizado las relaciones sexuales y las ha dotado de responsabilidad en las decisiones reproductivas. La maternidad y la paternidad responsables son posibles gracias a los anticonceptivos, la reproducción asistida, a la implantación de óvulos fecundados.... Nos oponemos, por lo tanto, a la doctrina de la Iglesia que los condena, y le pedimos, en tanto está influyendo en las políticas de los Estados y las decisiones de las personas, qué, con criterios multidisciplinares, revise su tradicional postura sobre todo aquello que hace referencia al sexo en general.Los derechos reproductivos están reconocidos internacionalmente como parte de los derechos humanos e incluyen que tanto las mujeres como los hombres tengan el control de su sexualidad, y de los métodos anticonceptivos en particular, y puedan decidir si quieren tener hijos, cuando y cómo. También implican un reconocimiento de las diversas opciones sexuales para vivir una sexualidad feliz, libre y con salud. Reivindicamos que se garantitcen estos derechos para la autonomía de las mujeres.

11/ Preservativos, SIDA y estigma social
Los preservativos son el medio más adecuado para tener unas relaciones sexuales más seguras, y es el recurso que la OMS propugna por frenar la pandemia del SIDA. Consideramos que la jerarquía de la Iglesia se hace cómplice de esta pandemia con la increíble condena que hace de esta medida de prevención sexual, necesaria para poder tener unas relaciones sexuales responsables y saludables.Es indispensable la desestigmatización que erradique los mensajes punitivos difundidos desde los púlpitos y que contribuyeron a crear la imagen del SIDA como a "castigo de Dios". Somos conscientes que el estigma del VIH-SIDA se relaciona con la carencia de medicamentos antirretrovirales, por lo tanto es necesaria la movilización para proporcionar tratamientos a todas las personas que viven con el VIH, contribuyendo de esta manera a eliminar el sufrimiento provocado por el estigma de la SIDA.

12/ Bioética
Actualmente los seres humanos tenemos la inmensa suerte de conocer científicamente muchas cuestiones que forman parte del proceso originario de la vida. Los constantes avances en la investigación genética y las biotecnologías ponen a nuestro alcance unas posibilidades terapéuticas que hacen posible curar y prevenir muchas enfermedades hasta ahora incurables. Mejorar, sanar y humanizar la vida es la tarea más noble de los científicos. Aunque todo lo que se puede hacer, no por eso debe hacerse -porque la ética debe acompañar la investigación científica- no comprendemos la postura de principio que tiene la Iglesia de oposición y de condena a las investigaciones científicas y a la posibilidad de poner la ciencia al servicio de los seres humanos.En el umbral de una época rellena de esperanza en el campo de la vida necesitamos la búsqueda común e intercultural de una bioética que acredite y fomente la responsabilidad humana. La verdad no se posee, se búsca, y es la suma de muchas verdades. Y siempre llegan nuevas certezas. Cuando una verdad excluye las otras, deja de ser verdad porque la duda es parte de la verdad.En definitiva, la diferencia fundamental entre el modelo social que defiende el Vaticano y los que podemos plantear las entidades que apoyamos esta declaración es que nosotros respetamos la diversidad ideológica y su traducción en leyes y normas de convivencia que siempre buscan dar libertad y responsabilidad para que sean las personas las que puedan decidir; por contra, el discurso oficial de la Iglesia católica y muchas religiones tratan de imponer su propuesta ideológica particular, mediante leyes y normas de convivencia, al conjunto de la ciudadanía, tanto si comparten su moral como si no. Queremos denunciar el talante excluyente y exclusivo que caracteriza el discurso religioso.Por estas razones invitamos a la sociedad, a la ciudadanía, a expresar su posición crítica, de manera activa y libre. Por responsabilidad, por dignidad.http://www.jonotespere.org

Noticias que te alegran el día: todos somos Ramoncín

MADRID.- Unas 60 personas con caretas con el rostro del cantante Ramoncín han irrumpido en la sede de la SGAE para protestar contra el canon que establece la Ley de Propiedad Intelectual y el modelo de negocio de la industria discográfica. Esta acción se enmarca en la semana de lucha social que lleva a cabo el grupo Rompamos el Silencio y que se inició el pasado lunes con la ocupación del antiguo cine Bogart.
Los hechos ocurrieron sobre las 13.15 horas, cuando los enmascarados entraron en el edificio, situado en la calle Fernando VI, lanzaron fotocopias de billetes de 100 euros y pegaron centimos en las puertas y el suelo de la entrada, al grito de "Luchar, crear cultura popular", "La creación se defiende compartiéndola".
Según relatan en su web, dos personas lograron colarse hasta el final de las oficinas y llegar hasta la puerta del despacho del presidente de la SGAE, Teddy Bautista, con la intención de descolgar la pancarta desde allí, pero fueron expulsados por varios guardias jurados. Finalmente colocaron la pancarta en el exterior. Rompamos el Silencio reclama una "cultura popular y la libertad de copiarse lo que uno quiera", ya que no considera que las copias piratas creen tantos perjuicios a la industria privada.
Condena de los hechos
Fuentes de la SGAE han confirmado esta acción y han señalado que "estas personas no tenían autorización y han entrado gritando y lanzando sus panfletos. Cuando les hemos requerido para que se marcharan han salido corriendo y han abandonado el edificio, aunque han provocado algunos destrozos en la placa de la entrada. Hemos llamado a la Policía, pero cuando han llegado se habían marchado".
Los miembros de Rompamos el Silencio afirman que se han retirado sin haber sido identificados por las fuerzas del orden, coreando los lemas "La cultura no se vende", "Ladrones, la cultura no se vende", dejando la oficina de la SGAE "remachada de centimos, y la zona tapizada de fotocopias de billetes".
La SGAE ha condenado "todo acto de violencia, la falta de diálogo y los ataques a la libertad de expresión". Por su parte, la Asociación de Internautas también ha deplorado el incidente, pero reconoce que es consecuencia de la situación actual.
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Por otra parte,
"Cada vez son más los websites que ofrecen su espacio y tecnología a todos los músicos que quieren colgar sus trabajos en Internet para que los internautas se los descarguen gratuitamente. Estos músicos, en general, utilizan este medio de distribución para sus canciones con el objetivo de llegar al mayor publico posible, viendo recompensado su trabajo cuando éste acude a sus conciertos. Con la venta de las entradas financian los costes de su producción musical, por lo que cuanto más usuarios conozcan su música, se la descarguen, más entradas venden y más beneficio obtienen.

Este colectivo de músicos, que está creciendo exponencialmente, quiere que su música se distribuya gratuitamente por Internet y cualquier coste que encarezca la descarga para el usuario no es bien acogido, ya que merma las posibilidades de descarga al reducirse el número de potenciales usuarios. Por ello la imposición del canon en cualquier servicio o producto digital, informático o telemático reduce la difusión de su música perjudicando su medio de financiación, la venta de entradas en sus conciertos.

Gran parte de estos músicos se acogen a las licencias COPYLEFT que les permite gestionar directamente los derechos de su creación intelectual. La mayor parte ofrece la descarga gratuita de su música, pero cada autor y/o artista puede fijar un precio según su propia valoración y expectativas. Los usuarios son los que hacen la última valoración en función de lo que están dispuestos a pagar por lo que se descargan. (ver apartado 6 de este informe).

Las licencias COPYLEFT suponen una clara alternativa al control de los derechos de autor por las Entidades de Gestión, ya que permite la autoedición y la autogestión por los músicos de su propia obra. De esta forma no hay condiciones ni precios impuestos por un tercero que no ha participado en el trabajo intelectual, como ocurre en el modelo de difusión y distribución de la música a través de editores y productores fonográficos en el que los precios son fijados exclusivamente por las compañías discográficas y los derechos son recaudados y administrados por las Entidades de Gestión"
(Del informe Difusión de Música por Internet, elaborado por la Asociación Música Internet)

Segundo premio

Amadeus, 1984, Milos Forman

Prácticamente desde sus primeros años de vida se pueden encontrar numerosos biopics a lo largo de la historia del cine. No son pocos los analistas que han mantenido encendidas discusiones teóricas acerca de si el biopic debe ser considerado un género en sí mismo. Se trata de una polémica que ha perdido su vigencia en los últimos años, habida cuenta de que las barreras entre géneros parecen difuminarse a pasos agigantados. En cualquier caso, numerosos directores de todo pelaje han sucumbido alguna vez a la tentación de traspasar a imagen fílmica la vida y milagros de un personaje de importancia histórica, o al menos algunos de los momentos más relevantes de su biografía.

Biopics los hay de todas clases. Los más comunes son aquellos que ensalzan la figura del personaje referente, hasta el punto de pasar por alto algunos detalles “escabrosos” que podrían enturbiar la hagiografía que tratan de vender. El ejemplo más reciente es Una mente maravillosa (A beautiful mind, 2001), del mediocre Ron Howard, que tuvo a bien esconder determinados aspectos de la historia del matemático John Forbes Nash, como su homosexualidad, “por temor a que repercutiera en el resultado comercial de la cinta”. En el extremo opuesto están justicieros como Oliver Stone, que lleva años rescribiendo la historia de Norteamérica a su manera, aún a pesar de caer en ocasiones en el más absoluto de los ridículos; pienso en Nixon (Nixon, 1995) o en el videoclip de dos horas que es The doors (The Doors, 1991).

Existe, en fin, una variante del biopic en la que el personaje aludido no es más que una excusa para abordar determinados aspectos de las relaciones humanas. Aquí sin duda el maestro es Milos Forman, con biografías tan atípicas como las de Andy Kaufman (Man on the moon, 1991) o el polémico Larry Flint (People Vs. Larry Flint, 1996). Década y media antes, el francotirador de la industria que es Forman había sorprendido a propios y extraños con Amadeus (1984), la biografía del genial Wolfgang Amadeus Mozart.

Y es que el hecho de que la película pareciera mofarse en ocasiones del sacrosanto “rigor histórico” provocó las iras de los estudiosos del personaje, que denigraron el filme con documentadas y sonoras protestas. Sin embargo, Forman no engañaba a nadie. Además de que la película se basa en un relato de corte fantasioso de Peter Shaffer[1], el realizador checo nunca tuvo interés en contar una de esas historias “más grandes que la vida”. Al fin y al cabo, no hablamos de fotografía sino de cine, un arte libre que no tiene porqué reflejar objetivamente la realidad.

La película se estructura en base a los recuerdos de Antonio Salieri. Es el año 1823, y el compositor, envejecido y enloquecido, ingresa en un manicomio. Allí le confesará a un joven capellán que fue el responsable directo de la muerte de Wolgang Amadeus Mozart. Atormentado por los remordimientos, Salieri rememorará su caída en desgracia a consecuencia del enorme talento de su rival.

Que no estamos ante una minuciosa reconstrucción histórica de la vida del compositor debería quedar claro con el propio título de la película. En lugar de bautizar la obra como “Mozart” a secas, Forman utiliza el primer apellido del compositor. No se trata de un ninguneo gratuito, porque no es Mozart el motor de la historia. El filme está narrado desde el punto de vista de Salieri, su mentor y enemigo en la sombra, y sus recuerdos están barnizados con capas de rencor, celos y odio. Mozart no fue nunca tan infantil ni descerebrado. Si aparece así en el filme es porque la visión de Salieri le demoniza, le retuerce y deforma a voluntad, porque es la única victoria moral que puede obtener sobre él.

A Forman no le interesa lo más mínimo si lo narrado se ajusta a la veracidad histórica, o si Salieri tuvo realmente algo que ver en la muerte de Mozart. En realidad, la relación entre ambos artistas es el verdadero leit-motiv de la película. De una parte Amadeus, que profesa una fé ciega en Salieri, pero también un cierto desdén por su obra, que considera propia de un músico decididamente menor. De otra Salieri, que a lo largo del filme pasa por un auténtico calvario personal, al no poder conciliar las sensaciones tan contratadas, de odio y admiración, que le provoca el joven músico.

Amadeus[2] es una película terriblemente triste. No es la obra de Forman un drama con ínfulas de Oscar que provoque la lágrima fácil. Tampoco se trata de un filme descarnado repleto de personajes amargados e introspectivos. Es un estudio sobre las pasiones humanas: la frustración de no poder llegar a ser aquello por lo que se ha luchado toda la vida; la impotencia que da sentirse torpe ante la llegada de alguien mejor que consigue eclipsarte por completo; la envidia insana que genera ser arrojado como un juguete viejo cuando se ha dejado de ser el objeto de atención.

Es también el fruto de un titánico esfuerzo de guión y un reparto sobresaliente. F. Murray Abraham proporciona una de esas interpretaciones capaces de trascender el sentido mismo de lo narrado para convertirse en atemporal, inmortal. Con una estilo de interpretación que conjuga a la perfección la técnica y la intuición, su composición de un Salieri acabado, amargado y arrepentido, ha pasado ya a la historia del cine.

Es tan complejo e interesante el personaje de Salieri que llega a eclipsar la labor interpretativa de Tom Hulce, un Mozart muy convincente al que la crítica ha vituperado sin miramientos. Hablamos de un personaje que tan pronto demuestra una sensibilidad a flor de piel, que le hace llorar al leer partituras de Mozart, como estalla de celos al constatar su incapacidad para producir material a la altura del joven músico. En realidad, es el odio hacia el genio el que alimenta a Salieri, pero también le consume hasta hacerle perder la razón. Su esquizofrenia le hace acudir maravillado a las representaciones de las óperas de Mozart, para después hacer lo imposible para impedir que se sigan celebrando más pases de las mismas.

Ya al final de la película, una escena resume a la perfección la relación entre ambos personajes. Un Mozart terriblemente enfermo dicta una partitura a un incrédulo Salieri, que se ve incapaz de seguir el ritmo del genio. Del rencor inicial hacia el alocado artista pasa a la resignación, acabando totalmente maravillado del talento de Mozart.

Amadeus también plantea el cinismo de determinadas convicciones religiosas. Salieri es un personaje religioso, en paz con el creador, al que le agradece su posición; es el músico mimado de la corte del Emperador José II de Austria. Sin embargo, tras el revuelo causado por la llegada de Mozart, se quejará amargamente a su dios cristiano por dotarle de un verdadero amor hacia la música, pero no de las dotes para materializarla. El creador no solo le ha arrebatado su don, sino que ha incrementado su sensibilidad para apreciar el talento de su rival. Salieri, ciego de ira, llegará a tramar un plan para vengarse de dios, destruyendo lo que él interpreta como creación divina.

Pero Amadeus no es sólo un excelente compendio de las emociones humanas más subterráneas. Forman también logró captar en el celuloide todo el barroquismo de la época en que tiene lugar la acción. Para ello rodó localizaciones en Viena y Praga, a la batuta de un equipo checo que se implicó de forma notable en la producción. La película luce así un suntuoso diseño de producción, una utilización particularmente emotiva de la fotografía, y una acertada elección del vestuario, que además tiene un alto contenido simbólico. Mientras que Mozart siempre va ataviado con ropajes blancos que evocan la pureza, Salieri parece un verdadero cuervo negro, encogido y malhumorado.

Como no podía ser de otra manera, tratándose de una biografía sobre un compositor, la música juega un papel fundamental. Forman consigue engarzar las composiciones de Mozart en la trama de manera absolutamente fluida, natural. Incluso las representaciones operísticas, que a priori podrían ralentizar el ritmo narrativo, están dotadas de una tremenda carga emocional. Todo ello a lo largo de tres horas de proyección en las que el ritmo no tiene ningún bajón digno de mención. Amadeus es un trabajo de orfebrería solo al alcance de los grandes, una obra compacta que se resiste a envejecer, uno de los mejores filmes de todos los tiempos.

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[1] Shaffer escribió la obra en la década de los 70. A Forman le llevó tres años convencerle para llevar a cabo la adaptación. Pese a la brillantez del resultado final, la relación entre ambos no fue especialmente cordial.

[2] Recientemente se ha estrenado el montaje del director, que como en el caso de Apocalypse Now, tan solo añade brillo a una película que no necesita volver a ser apuntalada.

Qué clase de animal

No lo he podido sacar hasta ahora por imperativo legal, pero ahí van dos pequeños parrafitos sobre lo mejor de este sábado en MetroRock.

Las eternas obras de la M-30 privaron al público madrileño de la actuación de Paul Weller el pasado noviembre. El veterano músico británico, que ofreció sus disculpas por el incidente al principio de su actuación, se enfundó el mono de trabajo para obsequiar a la numerosa parroquia que le venera con una de las actuaciones más vibrantes y compactas que se le recuerdan. Sólidamente respaldado por los miembros de Ocean Colour Scene Steve Cradock y Damon Minchella, el padrino del mod hizo su habitual repaso por los puntos álgidos de su discografía, como The changingman, Wild wood o, sentado al piano, la delicada You do something to me. Weller no se olvidó tampoco de alimentar la nostalgia de las primeras filas, rescatando In the crowd y A town called Malice de su época al frente de los míticos The Jam.

Y si esperada era la visita de Paul Weller, aún mayores eran las ganas de ver la vuelta a los escenarios de Surfin´ bichos. Con un repertorio centrado especialmente en sus tres primeros discos, el grupo liderado por Fernando Alfaro y Joaquín Pascual justificó con creces su estatus de grupo de culto para varias generaciones. El quinteto de Albacete no se limita en directo a calcar un repertorio a prueba de bombas, sino que reviste con un contundente armazón sonoro piezas tan difíciles como La oración del desierto. En la hora de actuación de Surfin´Bichos hubo espacio para todas las versiones del grupo, desde la furia esquizoide de Qué clase de animal a la dulzura de canciones como Abrazo en un terremoto. Un tramo final de vértigo, con Gente abollada, Mi hermano carnal y la ampliamente coreada Fuerte! levantó las mayores sonrisas de satisfacción que se han visto este año en MetroRock.

Actualizado: http://www.mtv.es/mtv.es/conciertos/article.jhtml?id=80134256.

Cuando leas esta carta, puede que haya muerto

Carta de una desconocida
Viena, año 1900. El famoso pianista Stefan Brand se prepara para partir de la ciudad con el fin de evitar batirse en duelo. Justo antes de dejar su estudio, recibirá la carta de una mujer cuya identidad en principio no reconoce. Al leer la carta, se acordará de Lisa, aquella muchacha con la que compartió momentos fugaces en sus días de joven músico.
«Cuando leas esta carta, puede que haya muerto...Si esta carta llega a tus manos, verás como fui tuya sin que tú siquiera supieses que existía.»
Estas míticas líneas, la espita del gas que ponía fin a una eterna historia de amor no correspondido, abrían uno de los flash-backs más dolorosos de la historia del cine, cerrando al mismo tiempo una de las historias más condenadamente románticas que se hayan rodado nunca. Carta de una desconocida está basada en una novela de Stefan Zweig, uno de los escritores más populares de la primera mitad del siglo XX. Parte de su fama se debe a sus excelentes biografías de personajes como Balzac, Charles Dickens o María Estuardo, pero Zweig fue también un experto en retratar personajes al límite en su obra novelística, poseedores de una sensibilidad a flor de piel que en ocasiones les aboca a la tragedia, como el caso que nos ocupa.
El guión de Howard Koch es absolutamente fiel al espíritu y letra de la obra de Zweig, llegando a calcar en ocasiones algunos diálogos, aunque el guionista tuvo que acomodar su libreto a las exigencias del Hollywood de los 40, en el que no se hubieran acogido de buen grado todas las aristas de un personaje como Lisa. Por otra parte, Stefan Brand deja de ser el reconocido escritor de la novela para convertirse en un pianista de éxito. Fue precisamente Koch quien sugirió el nombre de Ophüls para dirigir la película, porque tanto su fondo como su forma encajaban como un guante en el universo estilístico del director alemán. De hecho, no se podría imaginar mejor fondo para las descarnadas historias de amor de Ophüls que las calles de Viena, con su atmósfera melancólica y dulce.
Como algunas de las producciones de la etapa francesa del director, Carta de una desconocida está dividida en tres grandes episodios, cada uno de ellos correspondiente a un momento vital de Lisa. Sin embargo, la película, considerada como la más completa de cuantas rodó en Norteamérica (un total de cuatro) ha alcanzado su estatus de obra maestra porque Ophüls consigue depurar aquí los dos rasgos que más le definen como autor: su condición de retratista del universo femenino, y su perfecto dominio del movimiento de cámara, utilizado para subrayar estados vitales y/o emocionales de los personajes.
Durante mucho tiempo, las películas de Ophüls fueron menospreciadas por considerar que se trataba de elegantes, pero a la postre insignificantes retratos de mujeres. La mujer es el leit-motiv central de la mayoría de sus filmes, que giran siempre en torno a la búsqueda del amor pero que nunca se detienen en aspectos burdamente sentimentales. Lisa, la anti-heroína de Carta de una desconocida, es el mejor ejemplo de cómo percibe Ophüls el pensamiento femenino. Aunque el director es consciente de la transitoriedad del amor (que refuerza con sus movimientos de cámara), no condena en ningún momento a las mujeres de sus filmes, sino que las trata con ternura, porque sabe que el dolor que sienten es la consecuencia de seguir los impulsos del corazón en una sociedad regida por la cabeza y las apariencias. Lisa, tras una vida dedicada a perseguir un amor idealizado, sólo obtiene dolor y desencanto, pero al menos ha tenido la valentía de no renunciar a sí misma en ningún momento de su vida. En cambio Stefan, que encarna un sistema de valores burgués en el que lo único que realmente importa es el triunfo social a pesar del corazón, consume sus años por inercia, sintiéndose cada vez más vacío.
El tiempo avanza de forma implacable para ambos personajes, y la maestría de Ophüls tras la cámara consigue que les acompañemos en su bajada a los infiernos. Como sólo los grandes directores pueden hacer, Ophüls captura en imágenes el movimiento del alma en su pasaje solitario hacia la tragedia. Por medio de largos travellings (que documentan casi con detalle novelístico la impresionante puesta en escena de la película), acompaña a los personajes como si fuera un fantasma omnisciente. Sus interminables movimientos de cámara muestran, paradójicamente, a una Lisa atrapada por las normas culturales de una sociedad inamovible. Las frecuentes repeticiones de Ophüls, junto con la estructura circular del filme, no hacen sino recalcar la tragedia de una mujer que prefiere vivir en la ilusión antes que convertirse en pasto del rebaño, lo que acaba por dejar una sensación de tristeza insoportable.
Pero si Carta de una desconocida es unánimemente reconocida como una de las mejores películas de la historia (en mi opinión, la más completa de su director) no es sólo por el impecable trabajo de Ophüls tras las cámaras, sino por la inolvidable interpretación de su actriz principal, la eterna Joan Fontaine. No hay que olvidar que la película fue pensada en su momento como un vehículo para relanzar la carrera de la archifamosa hermana de Olivia de Havilland. Sin ir más lejos, el proyecto fue posible gracias al dinero de la actriz (y de su marido, ambos propietarios de Rampart Productions). Fontaine da vida a una Lisa atormentada por una personalidad escindida. Es un personaje terriblemente frágil, que cede siempre ante los impulsos del corazón, aunque sepa que se acabará condenando. Pero al mismo tiempo posee una voluntad de hierro, que le lleva a abandonar familia, marido y dignidad, en pos de un amor imposible. Si bien esta es la película por excelencia de la Fontaine , no puede caer en saco roto el trabajo de Louis Jourdan, cuyo punto de belleza glacial no había sido nunca aprovechado tan acertadamente como en esta ocasión.
Pero lo que diferencia a la cinta de Ophüls de la ristra de folletines basados en una temática similar es que se niega a caer en el arquetipo fácil. Ni Lisa es una loca romántica sin más, ni Stefan un mujeriego sin corazón. Ambos personajes se presentan deliberadamente ambiguos y repletos de recovecos internos, y el hecho de que haya una multiplicidad de voces narrativas en el filme, cada uno con su propio punto de vista, no hace sino reforzar esta idea. De hecho, no siempre la Lisa que le narra a Stefan la historia se comporta de igual manera que la Lisa que interviene como sujeto de la misma. Esta dualidad, que acentúa la ambigüedad del guión, hace que nos lleguemos a preguntar hasta que punto no está distorsionando sus recuerdos Lisa, como en aquella canción de ABBA en la que una muchacha es capaz de hacer creer a todo el mundo que es la reina del baile, cuando lo cierto es que no puede dejar de bailar sencillamente porque ha perdido la cabeza.
Hacia el final de la cinta Lisa regresa a su antiguo hogar para estar más cerca del pianista, aun sabiendo que así destruirá definitivamente su matrimonio. Es entonces cuando por fin toma conciencia del escaso interés que ha mostrado Stefan hacia su devoción desmedida. Sin embargo, a continuación su voz en off remata las líneas finales de la carta, en las que vuelve a confesar sin tapujos su amor absoluto por el artista. Esta desconexión entre la verdad objetiva de los hechos y la fantasía idealizada en la cual tiende a refugiarse le proporciona al personaje de Fontaine una riqueza fascinante.
La gran virtud del trabajo de Fontaine es que, aunque seamos conscientes de que es un personaje totalmente destruido por una obsesión compulsiva y que su relato no siempre se ajusta a la realidad, logra despertar infinitas dosis de ternura y compasión. Tampoco es posible llegar a odiar a Brand por su despreocupación y frialdad. Antes al contrario, el personaje acaba inspirando lástima porque sus acciones vitales le han llevado a la más absoluta soledad y desamparo. A medida que Stefan lee la carta, descubre impotente que la redención de sí mismo ha estado siempre a su lado, y no ha sido capaz de darse cuenta.. Se trata de un viaje interior iniciático de tan sólo unos minutos en el que le está permitido conocer el sentido de su existencia, solo para asistir desesperado al fin del sueño sin haber podido apenas disfrutarlo, como el niño robótico de Inteligencia Artificial (Artificial Intelligence, 2001. Steven Spielberg). La lectura de la carta destruye totalmente al personaje, que deja al instante de hacer los preparativos del viaje y acude a un duelo en el que lo mejor que podría pasarle es encontrar la muerte.
Señalábamos líneas más arriba que uno de los cambios más significativos respecto a la novela de Zweig es que Brand es músico. No se trata de una elección arbitraria. La música opera en un nivel más emocional que intelectual, y la obra de Ophüls se mueve en el terreno de las emociones puras. La historia está localizada en Viena, la ciudad musical por excelencia, lo que permite a Ophüls emplear la música en un plano estrictamente diegético. La partitura original de la película fue compuesta por Daniele Amiftheatrof, y está fuertemente inspirada en compositores como Strauss, Listz o Schubert. Pero además, el director utiliza asimismo la música de la película a un nivel no diegético para configurar los estados de ánimo que pueblan las diferentes secuencias. Si habitualmente en la obra de Ophüls los movimientos de cámara intentan subrayar determinados estados emocionales, aquí se produce una conjunción entre imagen y sonido rayana en la perfección, llegando en ocasiones a ser más importante la música que la propia imagen para el desarrollo narrativo de la película.
Carta de una desconocida es una obra perfectamente estructurada en tres actos, que resulta fiel a la narrativa clásica hollywoodiense, pero que al mismo tiempo está plagada de significados múltiples y contradicciones internas al intervenir varias voces en la narración. En ocasiones, la música se convierte en una más de estas voces, y las repeticiones y variaciones tan propias del estilo narrativo de Ophüls para subrayar determinados aspectos también se reproducen en la banda sonora del filme. La música, protagonista absoluto de la historia, sirve al director como mecanismo narrativo para subrayar, complementar, y en ocasiones contradecir las imágenes. Cuando Stefan comienza a leer la carta, por ejemplo, resuenan fuertes tambores de fondo, que anticipan la tragedia. En cambio, cuando Lisa recuerda la primera vez que vio a Stefan la partitura se vuelve casi infantil. Es uno de los escasos momentos de tregua de una película que va directa a las entrañas. Enfrentarse a Carta de una desconocida es como reencontrarse con una foto perdida de alguien que en su día te rompió el corazón; una experiencia de la que no se puede esperar salir completamente indemne.

Yo tampoco te espero

Cerca de 400 de ciudadanos, según el Cuerpo Nacional de Policía, acudieron al mediodía de ayer a la plaza del Arzobispo, en Valencia, para formular declaraciones de apostasía en notas dirigidas al titular de la diócesis de Valencia, Agustín García-Gasco. La inciativa de dos militantes de la plataforma Jo no t'espere, contraria a los fastos previstos ante la próxima visita a Valencia de Benedicto XVI, desembocó en un acto pacífico de apostasía masiva a espaldas de la Catedral de Valencia. El palacio arzobispal permanecía cerrado. De modo que los organizadores anunciaron que volverán el día 29 de junio, día de San Pedro, para registrar oficialmente las solicitudes de apostasía. "La prueba de la vinculación entre la Iglesia y el capitalismo la tienes en que es más difícil darse de baja de la Iglesia que de Telefónica", bromeaba un asistente.

Bajo el mismo sol, pero en un escenario más moderno, en el entorno del Museu Príncipe Felipe, Francisco Camps, presidente de la Generalitat, proclamaba que "Valencia se convertirá en casa de todas las familias del mundo" con ocasión del quinto Encuentro Mundial de las Familias, una iniciativa de la Iglesia católica, que albergará la ciudad en los primeros días de julio. Camps quiso participar en el reparto de acreditaciones y mochilas con motivos vaticanos a centenares de voluntarios llamados a convertir la visita de Benedicto XVI a Valencia en "un día histórico e inolvidable", según el presidente de la Generalitat. "Hemos tenido mucho trabajo, realizado con ilusión y confianza, pero todo culmina con vuestra presencia", siguió Camps, quien no dudó en aludir a los voluntarios como "el alma" del evento.

Rita Barberá, alcaldesa de Valencia, se sumó al proselitismo oficial. "Estamos orgullosos de recibir al Papa y a un millón de peregrinos, que acudirán a Valencia para debatir y hablar sobre los valores de la familia", dijo. El arzobispo Agustín García-Gasco, entretanto, ordenaba a una decena de nuevos sacerdotes en la Catedral de Valencia.
http://www.elpais.es/articulo/sociedad/Apostasia/masiva/simpatia/oficial
/elpporsoc/20060625elpepisoc_6/Tes/

Quién te ha visto y quién te ve

La hemeroteca es el peor enemigo de un político, pero también de un periodista. Ahora que los mastines mediáticos de la derecha salivan de furia ante la inminente apertura de contactos del Ejecutivo con ETA quizá no esté de más recordar qué decían Jiménez Losantos, Pedro J y compañía entonces y qué ladran ahora. Y cómo alababan a Aznar y le decían valiente por atreverse a negociar con terroristas. Un buen motivo más para no fiarse de los políticos, de cualquier tendencia, ni de los periodistas que les hacen el juego a los políticos.

Que se miren las hemerotecas", pidió el pasado viernes José María Aznar, en la inauguración de la convención del PP, tras asegurar que su Gobierno nunca negoció con ETA. No es ésa, sin embargo, la impresión que se desprende de la lectura de los diarios de la época.
El 26 de septiembre de 1998, diez días después de que ETA dictara una tregua, el entonces presidente del Gobierno acudió a San Sebastián y celebró un mitin en el que prometió generosidad: "Apuesto por el diálogo y la responsabilidad compartida", señaló entonces.
- "Generosidad es una palabra que no me quema en la boca". Era el primer mitin de la precampaña electoral vasca y se dirigía a los simpatizantes del PP: "Hace no mucho tiempo hablé de generosidad porque es una palabra que no me quema en la boca y que es patrimonio de los que no vivimos instalados en el rencor. Al hablar de generosidad no olvido que un Estado de Derecho tiene principios, leyes y políticas de paz, de una paz real, inequívoca, sin sombras". Y continuó así: "Ahora lo que toca es la paz. Sólo la paz y nada más que la paz. Construir la paz es lo más importante. Es la tarea que tenemos ahora. Es fundamental construir la paz sobre una base sólida pero, a la vez, flexible. Queremos que la paz que se construya sea habitable, no para la mitad de los vascos sino para todos ellos. Somos los demócratas los que tenemos la legitimidad para abordar la paz. Apuesto por el diálogo y la responsabilidad compartida".
- "Inicio de contactos con el entorno del MLNV". A las 11.30 de la mañana del 3 de noviembre de 1998, la agencia Efe difundió un comunicado de La Moncloa en el que se anunciaba que el entonces presidente del Gobierno, José María Aznar, había autorizado el inicio de contactos con "interlocutores del entorno del denominado MLNV" o Movimiento de Liberación Nacional Vasco. Hora y media después, el propio Aznar confirmaba lacónicamente la noticia durante una visita al Museo Thyssen-Bornemisza y se remitía al comunicado.
Era la primera y la última vez que un Gobierno español se referiría al entorno de ETA con el apelativo de MLNV, acuñado por la izquierda abertzale para nombrarse a sí misma, en un intento por identificarse con los movimientos de liberación del Tercer Mundo, pero este hecho quedó eclipsado por la trascendencia de la noticia.
- Un mensaje del ministro Mayor Oreja en el buzón de voz del teléfono de Rubalcaba.
Todos los partidos, sin excepción, expresaron su respaldo al Gobierno, aunque los socialistas no ocultaron su malestar por no haber sido informados con carácter previo. En efecto, aunque el PP se había comprometido a consultar sus pasos con el primer partido de la oposición, el entonces ministro del Interior, Jaime Mayor Oreja, se limitó a dejar un mensaje en el buzón del móvil del diputado socialista Alfredo Pérez Rubalcaba momentos antes de que se difundiera el teletipo de Efe.
- Enrique Múgica: "Una decisión lógica". El Defensor del Pueblo, Enrique Múgica, que actualmente sólo es partidario del "diálogo de la escoba y la basura" con ETA, consideró entonces "lógica" la decisión del Gobierno, igual que el socialista Fernando Buesa, quien sería asesinado tras la ruptura de la tregua.
En realidad, ETA había decretado el alto el fuego mes y medio antes, el 16 de septiembre de 1997, pero Aznar no autorizó las conversaciones -dirigidas, según dijo el pasado viernes "a comprobar si [los terroristas] estaban o no dispuestos a rendirse"- hasta pasadas las elecciones vascas del 25 de octubre de 1998, en las que el PP y Euskal Herritarrok (marca con la que se presentó Batasuna) fueron los grandes beneficiados.

- ABC: "Horizontes de esperanza". El Gobierno no sólo tuvo el respaldo de la totalidad de las fuerzas políticas, sino también el aliento unánime de los medios de comunicación. El título del editorial de Abc del 4 de noviembre de 1998 era bastante explícito: "Horizonte de esperanza".
"La esperanza, precaria todavía, de que el proceso que se anuncia fructifique en la pacificación del País Vasco [...] nos lleva a subrayar la fecha del 3 de noviembre como el posible punto de partida de una andadura que ningún español de buena voluntad puede dejar de desear que culmine venturosamente", decía el editorialista. "Sólo el Gobierno de la Nación tiene en sus manos", agregaba, "la única contrapartida a la que la banda puede aspirar: la indulgencia".
"[...] Somos muy conscientes de lo que está en juego y nos sentimos comprometidos con el logro de la paz. Por ello, procuraremos no perjudicar el proceso, mediante un muy prudente y sereno ejercicio de nuestro derecho a informar y opinar. Nunca pondríamos en riesgo la posibilidad cierta de un País Vasco libre y en paz a cambio de una satisfacción efímera de una portada de tan seguro como fácil impacto".
- EL MUNDO: "Otro valiente paso de Aznar hacia la paz". Aún más entusiasta era el editorial de El Mundo, titulado "Otro valiente paso de Aznar hacia la paz", que no sólo comparaba la actitud del jefe del Gobierno español ante ETA con la del británico John Major frente al IRA, sino que daba por sentado que habría negociación y que ésta incluiría cuestiones políticas.
Tras glosar el anuncio de Aznar, añadía: "Poco después, el portavoz del Ejecutivo aclaró que esos contactos con el llamado MLNV apuntan a acreditar que la decisión de la organización terrorista de abandonar la violencia es definitiva. Obvió decir -era innecesario- que, de confirmarse tal cosa, habrá negociación. [...] Lo más probable", pronosticaba, "es que la tarea acabe subdividiéndose: habrá diálogo directo con ETA, de un lado, para evaluar el problema de los presos -aunque no sólo- y habrá por otro lado conversaciones más específicamente políticas, en las que todas las fuerzas parlamentarias habrán de tener participación".
En el mismo diario, su columnista Federico Jiménez Losantos escribía: "Puesto que es el fin del terror lo que se busca y el camino es necesariamente, como en la canción de Georges Harrison, largo y sinuoso, convendría no apresurarse en los trámites y contar con los inevitables retrocesos y tiempos muertos de lo que de una u otra forma será negociación, aunque se salven los principios éticos y democráticos que un Gobierno de un país respetuoso de sí mismo nunca debe perder de vista [...] Si hay algo que en estos contactos y los que vengan tampoco se puede perder es, precisamente, el tacto, el cuidado, la precaución de no enajenarse el apoyo de los partidos políticos democráticos [...] Que el Gobierno español debe dirigir el proceso de pacificación es evidente. Que no entienda que tal dirección implica la permanente atención informativa y la eventual consulta al resto de partidos democráticos es una posibilidad preocupante. En la opinión pública, el consenso visible de los grandes partidos nacionales es un elemento fundamental".
- EL PAÍS. "Es razonable que el Gobierno intente verificar las intenciones de la banda". EL PAÍS, por su parte, señalaba: "Es razonable que mes y medio después del anuncio de tregua, el Gobierno intente verificar las intenciones de la banda, sobre todo acerca de un abandono definitivo de las armas, como cabría deducir de las palabras del portavoz que habló por la BBC".
El editorial advertía de que "la idea de paz por presos forma parte central de cualquier intento de reconciliación", pero "lo que está expresamente excluido es que alguien intente extraer ventajas políticas de la violencia".

"Pretender contraprestaciones políticas por dejar de matar equivale a exigirlas por haber matado", explicaba. "De ahí que cualquier diálogo deba plantearse, como marca Ajuria Enea, entre representantes legítimos de la voluntad popular. Con ETA puede hablarse de la reinserción de sus miembros, y para ello hay que establecer algún contacto. El Gobierno dice que quiere evitar secretismos que puedan un día volver contra él. Bien está que comunique sus intenciones".
- Rajoy: "El Gobierno ha hecho un gesto conforme a la voluntad y el deseo de que llegue la paz". Mariano Rajoy declaró el 26 de diciembre de 1998 su apoyo a la decisión de dialogar con los terroristas y acercar a sus presos. Y explicó: "Los contactos los llevamos directamente y sin intermediación". No fue el único dirigente popular que se manifestó a favor del diálogo. Miguel Sanz, presidente navarro, declaró: "Si ETA abandona las armas se podría hablar y negociar, y ahí Navarra va a estar y será generosa. En la medida en que se consolide la tregua y podamos hablar del abandono definitivo de la violencia, se podrá hablar de otras cuestiones como la política penitenciaria y la reinserción".

That´s entertainment!

Y sólo un poquito antes de Surfin´Bichos, vuelve a Madrid The modfather, Paul Weller. Si tan sólo se tratase de que fue el lider de The Jam, que formó Style Council, que Wild mood es tan buen disco, que You do something to me es casi la mejor canción que me hayan recomendado nunca, que me recuerde tantísimo a ti. Mil motivos para ser un perro feliz.

You Do Something To Me

You do something to me - something deep inside
I'm hanging on the wire - with love I'll never find
You do something wonderful - then chase it all away
Mixing my emotions - that throws me back again

Hanging on the wire, I’m waiting for the change
I'm dancing through the fire, just to catch a flame-
And feel real again.

You do something to me - somewhere deep inside
I'm hoping to get close to- a peace I cannot find-

Dancing through the fire- just to catch a flame
Just to get close to, just close enough-
To tell you that

You do something to me-something deep inside

La luz en tus entrañas

Hoy Surfin´Bichos actúan a las dos de la mañana en el Metrorock. En poco más de doce horas le ponemos fin a la quimera. Por aquí andamos tan nerviosos que ni siquiera somos capaces de escribir un texto en condiciones sobre el evento. Molesten las disculpas.

Harto de tu amor
Siempre quiero estar
harto de tu amor,
tenerte tan cerca
que no te quiera ver.

Siempre quiero estar
ciego de dolor
antes que no sentir nada de nada
para siempre.

No quiero mirar
defectos en mi amor,
que la Llama Eterna
desvela en nuestra tez.
Como una película,
hecha por error,
sin principio ni final,
sin sentido, sin sentido,
como la muerte.
¿Es ya tarde?
... todo se me escapa siempre.

Siempre quiero estar
harto de tu amor,
tenerte tan cerca
que no te pueda ver.

Siempre quiero estar
ciego de dolor,
no dejarme llevar,
arrastrar, absorber
por la corriente...

... siempre, siempre.

Los hermosos vencidos

A Leonard Cohen se le ha etiquetado en numerosas ocasiones como el músico de la tristeza y la depresión. Lo cierto es que nombres de primeros de los noventa como Red House Painters, Will Olham o Dakote Suite, han hecho parecer al bardo de de Montreal la alegría de la huerta. Otros le hemos visto como el último romántico vivo en el mundo de la música, entendiendo romántico en el sentido literal de la palabra.
El caso es que a Cohen no siempre se le reserva el puesto de privilegio entre los grandes que sin duda merece. Quizá sea porque le importa muy poco el revestimiento sonoro de sus canciones. A este artista nacido en Montreal le importa más divagar y reflexionar, guitarra en ristre y con su inconfundible voz ronca, sobre el sentido de la vida, la religión y las relaciones humanas. Cohen es también un enorme literato, que ha publicado libros de poemas y novelas tan estremecedoras como Los hermosos vencidos
Sus tres primeros discos, Songs of Leonard Cohen, Songs from a Room y especialmente Songs of love and hate, forman ya parte de la vida de muchos de nosotros. No podría ser de otra forma con perlas como Suzanne o Famous Blue Raincoat, LA canción. Sarcasmo, tristeza y melancolía a manos llenas. Luego vendrían experimentos tan incomprendidos como Death of a Ladie´s man y certeras dianas como Various Positions. Con todo, la imagen que uno asocia con Cohen es la que encarnó en los años 90, la del Casanova cínico y derrotado que canta a todos los amores y amigos que en su vida han sido.
Leonard Cohen es además uno de los músicos más citados por otros músicos, que hasta la fecha le habían dedicado dos discos de versiones. I´m your fan se editó en 1991, y tiene canciones de los Pixies, Nick Cave, REM o House of love. Cuatro años más tarde, en Tower of Song, Bono y Martin Gore, de U2 y Depeche Mode, se encargarían de cargarse algunas de las canciones más hermosas del canadiense como Coming back to you. Gore, por cierto, uno de los compositores más brillantes de las últimas décadas, es todo un experto en el arte de estropear canciones ajenas. Escucha Counterfeit2 y tiembla ante las versiones de By this river, de Brian Eno o Loverman de Nick Cave.
Ahora se anuncia para el mes de julio el documental I´m your man, un documental sobre la vida de Cohen que ha dirigido Lian Lunson. La banda sonora contará con nombres de lujo como Nick Cave (hace I´m your man), Jarvis Cocker (I can´t forget), Rufus Mainwright (que se atreve con una pieza tan desoladora como Chelsea Hotel No. 2), la diva del bajón químico Beth Orton o Anthony. No sé si se estrenará comercialmente en España o si habrá que tirar de e-mule, pero esperemos que el documental sirva para recuperar la figura del músico. A ver si de paso se anima a volver a los escenarios y deleitarnos con una visita.

Motivos para quemar el Parlamento (I)

Ya me dirán qué coño tiene esto de social-democráta, de izquierdas, de justo. Me quedo sin argumentos cuando me dicen que los dos partidos mayoritarios son la misma mierda, sirviendo a distinto amo. Qué asco....

http://www.cadenaser.com/articulo/tecnologia/
Aprobada/definitivamente/ley/extiende/canon/copia/privada/soportes
/digitales/csrcsrpor/20060622csrcsrtec_1/Tes/

Aprobada definitivamente la ley que extiende el "canon" por copia privada a los soportes digitales

La Ley de Propiedad Intelectual exime de su pago a los discos duros de ordenador y las líneas de ADSL

La reforma del texto refundido de la Ley de Propiedad Intelectual pasó hoy su último trámite parlamentario con la votación en el Pleno del Congreso de las enmiendas que fueron incluidas en el Senado. La norma ya aprobada extiende el "canon" a los soportes digitales, aunque exime de su pago a los discos duros de ordenador y las líneas de ADSL, además de establecer algunos límites, como, por ejemplo, en la enseñanza o entre las personas con discapacidad.

Los diputados votaron hoy las enmiendas incluidas en la reforma durante la tramitación en el Senado, que en lo básico no modifica el texto que salió de la Cámara Baja. La reforma traspone a la legislación española una directiva europea sobre la Sociedad de la Información aprobada en 2001.

Un mes después de la entrada en vigor de la reforma, los Ministerios de Cultura y de Industria comunicarán a las entidades de gestión y a la industria el inicio del proceso para determinar qué soportes digitales están sujetos al canon y cual es su importe en cada caso.

En cuatro meses, las partes comunicarán los acuerdos a los que han llegado, y tres meses después, los dos departamentos gubernamentales publicarán una norma ministerial con el listado concreto de los equipos, aparatos y soportes sujetos al canon y su cuantía.

Esta orden ministerial conjunta tendrá carácter bianual y hasta que se apruebe, se mantendrán las tarifas acordadas entre la industria y las entidades de gestión en 2003 (0,16 euros por cada hora de grabación en los CD, entre otras). La Comisión de Propiedad Intelectual tendrá facultades de mediación, arbitraje, fijación de cantidades sustitutorias de tarifas y resolución de conflictos entre las entidades de gestión y los usuarios.

Respecto de los resúmenes de prensa, la ley reconoce la "cita" para "las recopilaciones periódicas efectuadas en forma de reseñas o revista de prensa". Los editores podrán reclamar una remuneración equitativa, "un término medio" entre los intereses de las empresas que realizan las revistas de prensa y los editores de periódicos.

Nijinksi gana el Derby de Kentucky (Billy Wilder I)

“Durante el rodaje de Bola de fuego me encontré al productor Samuel Goldwyn en el estudio y me ofreció hacer con él una película. Un par de días más tarde, me presenté en su despacho y le dije que tenía algo para él.

-¿Cúal es el argumento?.

-Una película sobre la vida de Nijinski, le dije.

-¿Quién es ese Nijinski?.

Así que le conté que había sido el pobre hijo de un campesino que había soñado en convertirse en un gran bailarín. Y se convirtió en el mejor bailarín de la historia...

-¿Y la historia?-. Repuso Goldwyn.

Yo le conté cómo Diaghilev descubrió a aquel joven campesino, hermoso y fuerte, en la escuela de ballet.

-¿Sabe usted quién es Diaghilev?-. Le pregunté a Goldwyn.

-¡Ni idea!-. Dijo él.

Le dije que era el mayor empresario del famoso ballet ruso, que vió al joven Nijinsky y se enamoró de él. Goldwyn me interrumpió.

-Por favor, dígame, ¿Diaghilev era una mujer?.

Yo le dije que no, que era un hombre. A esto repuso Goldwyn:

-¿Qué clase de historia es ésta?. ¿Dos hombres?. ¿Dos maricas?. ¡Cállese de una vez, Wilder!.

Intenté explicarle que era más que una historia de amor. Le conté cómo Diaghilev convirtió a Nijinsky en la mayor estrella del ballet del mundo. Y cómo empezó la tragedia, cuando Nijinsky, se enamoró de una bailarina y se casó con ella. Diaghilev se enfureció y amenazó con destruir a Nijinsky, que al final se volvió loco. Goldwyn me interrumpió de nuevo:

-Un momento, un momento, hasta ahora tenemos a dos maricas, de los cuales uno además se vuelve loco, ¿y de esto quiere hacer una película? Tengo una mujer a la que quiero y a la que tengo que mantener y tengo un prestigio que no puedo perder. ¡Cállese de una vez, Wilder!.

Yo le pedí que me dejara continuar la historia. Un día, Nijinsky fue internado en un sanatorio suizo y allí, llegó al convencimiento de que era un caballo. Desesperado, Goldwyn me miró fijamente:

-¿Un caballo?.

-Sí -dije yo-, un caballo. Por las mañanas, cuando abrían las celdas, salía al jardín y galopaba feliz por él.

Al llegar aquí, a Goldwyn se le acabó la paciencia.

-¡Un caballo que es marica y que galopa por el jardín!. ¡Acabe usted con esta absurda historia!. ¡Me está haciendo perder el tiempo!.

Yo me levanté y mientras abandonaba el despacho le dije:

-¡Esta bien!. Si quiere un happy end, mister Goldwyn, tengo una idea. Nijinsky no sólo cree ser un caballo, sino que además gana el Derby de Kentucky.

Goldwyn cogió un cenicero de su mesa y apuntó hacia mí. Tuve el tiempo justo para cerrar la puerta a sus espaldas.”

¿Por qué amamos a The zombies?

"Your summer world And we would count the evening stars As the day grew dark In Beechwood Park... "

Entre las numerosas injusticias que han tenido lugar en la historia de la música pop, quizá una de las más flagrantes sea la de The zombies. Fueron un grupo enmarcado en la explosión británica de los años 60, pero nunca tuvieron el éxito que sí alcanzaron algunos de sus más renombrados compañeros de generación. The zombies sólo llegaron a publicar dos discos. El primero, Begin Here (1965) es una perfecta colección de gemas pop (she´s not there o Tell her no) que sin embargo les granjeó un sinfín de problemas con la industria discográfica y un desolador rechazo a nivel comercial, y ello a pesar de aparecer en El rapto de Bunny Lake, la película del maestro Otto Preminger. El segundo y último disco, Odessey and Oracle (1968), es una obra maestra que se puede medir de igual a igual con Pet Sounds de The Beach Boys o Exile On main street de The rolling Stones.
Después de Odessey and Oracle The Zombies se separaron y comenzó un culto que continúa hasta nuestros días, aunque lo cierto es que las nuevas generaciones comienzan a reivindicarles como merecen. Lo triste es que una vez separados, una banda de impostores dieron conciertos haciéndose pasar por ellos. Aún peor, Time of the season, una de las canciones del disco, se convirtió un éxito cuando ya la banda había pasado a la historia.
The Zombies mezclaban en sus canciones toques psicodélicos, pop luminoso y ciertos desarrollos jazzísticos impensables para su época, así como uno de los dobles juegos vocales más notables de la historia del pop. Terriblemente arriesgados y valientes, se atrevían con estructuras musicales totalmente alejadas de los parámetros del pop comercial, con querencia especial por instrumentos como el metrollón. La mayoría de las composiciones corrían a cargo del gran Rod Argent (secundado por Chris White), que encontró en la garganta de Colin Blunstone su complemento perfecto.
The zombies es uno de esos grupos que siempre te recomienda alguien especial. A mí me habló de ellos por primera vez la mejor persona del mundo, así que no podéis dejar que se rompa la cadena.

Pensarás que soy un sentimental

Un día en las carreras,1937, dirigida por Sam Wood;

Groucho: "¿Ya has olvidado aquellas noches en la Riviera cuando los dos contemplábamos el cielo? Éramos jóvenes, alegres, inocentes. La noche en que bebí champaña en tu zapato - dos litros. Hubiera cabido más, pero llevabas plantillas. ¡Oh, Hildegarde! No es que me importe, pero, ¿dónde está tu marido?".
Margaret Dumont: "¡Ha muerto!".
Groucho: "Seguro que sólo es una excusa".
Margaret Dumont: "Estuve con él hasta el final".
Groucho: "No me extraña que falleciera".
Margaret Dumont.:"Lo estreché entre mis brazos y lo besé".
Groucho: "Entonces, fue un asesinato. ¿Te casarías conmigo? ¿Te dejó mucho dinero? Responde primero a lo segundo.
Margaret Dumont: "¡Me dejó toda su fortuna!".
Groucho: "¿No comprendes lo que intento decirte? Te amo. Pensarás que soy un sentimental, pero ¿te importaría darme un mechón de tu cabello?".
Margaret Dumont: "¿Un mechón de mi cabello?".
Groucho: "Y no te quejes. Te iba a pedir toda la peluca. Cásate conmigo y tendremos nuestra propia familia".
Margaret Dumont.: "Oh, sería maravilloso. Y dime, cariño, ¿tendríamos una bonita casa?".
Groucho: "Pues claro. ¿No estarás pensando en mudarte?".
Margaret Dumont: "Temo que después de llevar algún tiempo casados, encuentres una mujer hermosa y te olvides de mí".
Groucho: "No te olvidaré. Te escribiré todas las semanas".

Grandes magos del humor involuntario: Ignacio Villa

El pasado jueves media España estuvo pendiente del televisor de tres a cinco para ver el debut de España en el Mundial frente a Ucrania. Tras el partido, incluso a quienes no les gusta especialmente el fútbol se felicitaban por la excelente victoria de los nuestros. ¿Todos? No, el sagaz periodista de la COPE, Ignacio Villa, azote de socialistas, comunistas, nacionalistas, ateos y ye-yes ocupaba su tiempo y su estómago en un ejercicio imposible de arrimar el ascua a su sardina. El mayor consumidor de Almax después de Jiménez Losantos vomitaba esto en Libertad Digital:

“Esta no es la España de Zapatero
Es evidente que desde el Gobierno recuperando las viejas artimañas del pasado se va a utilizar al máximo el concepto de pan, circo y toros
Unos dicen que España ha jugado muy bien en el estreno mundialista, otros se limitan a decir que los goles españoles han llegado ante la debilidad de Ucrania. Sea una cosa u otra, la realidad es que la selección española ha comenzado un Mundial como nunca antes lo había hecho. Con garra, con fuerza, con convencimiento y también con suerte.

Pero entre tanto entusiasmo y contento que nadie se engañe, la España del Mundial no es la España de Zapatero. Desde el Gobierno les ha faltado tiempo para cantar a los cuatro vientos las maravillas de la selección nacional de fútbol en esa obsesión que tiene Moncloa por narcotizar a la sociedad española ante tanta barbaridad y desbarajuste del Ejecutivo. La España mundialista nada tiene que ver con la España del actual presidente del Gobierno.
En el Mundial, España ha jugado unida, con un esquema de juego, dejando la iniciativa a los que llaman "jugones" y teniendo muy claros el objetivo: ganar a Ucrania. La España de Zapatero es el polo opuesto a lo visto en Leipzig. La España de Zapatero es la España de la ruptura constitucional, es la que se rinde sin condiciones ante los terroristas etarras, es la que nadie reconoce en los foros internacionales, es la de la delincuencia organizada a granel, es la de las detenciones ilegales de los militantes del PP, es la que busca y rebusca en el pasado, la que fomenta el enfrentamiento entre los españoles, es la que quiere cambiar el modelo de sociedad arremetiendo contra la familia, la educación y los valores, es la que permite que en los actos públicos del primer partido de la oposición se insulte y golpee impunemente a los líderes de ese partido, es la que admite que se ejecuten pactos como el del Tinell de absoluto contenido antidemocrático, es la España del desgobierno y del ridículo. Esa es la España de Zapatero, una España muy alejada de la misma que ha cantado y coreado los goles de Villa, Torres y Alonso.
Es evidente que desde el Gobierno recuperando las viejas artimañas del pasado se va a utilizar al máximo el concepto de "pan, circo y toros". Y se van a intentar utilizar al máximo las alegrías del fútbol como bálsamo para un Gobierno que tiene demasiados escapes de agua y repleto de problemas. La España del Mundial no es la España de Zapatero, en definitiva, porque la España del Gobierno va camino de la desaparición”.

Por supuesto que prefiero afrontar películas como Llámame Peter que a las hagiografías almibaradas de Ray Charles o Johnny Cash, con sus historias de redención por amor y alumbramiento, que escamotean los aspectos más sórdidos del personaje.

Sin embargo, Stoned me ha dejado muy frío. Entiendo que es difícil hacer un biopic sobre el fundador de los Rolling Stones sin tener permiso para utilizar sus canciones. También comprendo que el debutante Stephen Wooley prefiera no pillarse los dedos y colocar dos frases contadas en los labios de Jagger para no tener que enfrentarse a sus abogados.

El caso es que Stoned resume de manera acelerada y discreta los primeros pasos de la banda, dibuja con brocha gorda a personajes tan importantes como Anita Pallemberg y naufraga al querer reflejar la estética de la época, desde el blanco y negro de sus primeras actuaciones tocando clásicos del blues hasta la explosión psicodélica de la segunda mitad de los sesenta.

Stoned no funciona como retrato de una época referencial en la historia de la música, pero tampoco consigue profundizar en la adictiva personalidad de Jones. Se dice que la muerte del músico contribuyo a magnificar su papel en el grupo, cuando lo cierto es que sus aportaciones no eran en absoluto relevantes. En cualquier caso, la caída de Jones en el abismo de las drogas se articula en torno a un par de flash-backs chapuceros rodados a la manera de Oliver stone en The doors, es decir, como si fuera un videoclip.

Debe ser que Wooley prefiere centrarse en la relación de dominación y dependencia entre Jones y el albañil Frank Thorogood, que se pasó largos meses realizando trabajos en la mansión del Stone y que acabó subyugado por la vida al límite de la estrella. Wooley se ha pasado once años investigando la muerte de Jones y combatiendo la versión oficial, que dice que el músico fue encontrado ahogado en la piscina como consecuencia de una ingesta fatal de drogas y alcohol. Wooley defiende aquí que fue Frank el responsable directo de la muerte de Jones, poseído por una mezcla de asco y atracción hacia la vida del músico e incapaz de entender los cambios que se estaban produciendo en ese momento en varias generaciones como consecuencia del advenimiento de las nuevas estrellas del pop y del rock. Así lo que aquí tenemos es un Dioses y monstruos en versión rock´n´roll star, pero bastante por debajo de la película de Bill Condon, que ni consigue emocionar ni consigue meternos en ningún momento en la dinámica de la historia. Es como si Dan Brown se hubiera metido a adaptar una novela negra de Patricia Highsmith. Aunque los mimbres sean buenos, la impericia del director acaba desbaratando el conjunto.

Los archivos del mal: Onibaba

En el Japón medieval del siglo XVI, la esposa (Jitusko Yoshimura) y madre (Nobuko Otowsa) de un hombre que ha partido a la guerra se ganan la vida asesinando a los soldados que se aventuran en el lugar y vendiendo sus armaduras y espadas. Uno de los supervivientes de la batalla, llamado Hachi (Kei Sato), les comunica que aquel a quien esperan ha perecido en el frente. Hachi intentará seducir a toda costa a la joven muchacha ante el disgusto de su suegra, que teme quedarse sola. La madre del soldado muerto, para evitar que su nuera se encuentre con Hachi, oculta su cara tras una máscara terrorífica de un samurai al que había asesinado previamente, asustando así a la joven muchacha cada noche.

Bajo esta escueta excusa argumental se esconde una de las películas más fascinantes de las últimas décadas, un clásico oculto que ha sido editado por primera vez en España por Filmax. Una de las singularidades de Onibaba es que se trata de una película prácticamente inclasificable, que abarca varios géneros sin adscribirse explícitamente a ninguno. Si bien los buenos aficionados al cine fantástico y de terror japonés profesan un respeto reverencial por la cinta, lo cierto es que la filmografía de Shindo no se inscribe en absoluto dentro del género. Antes al contrario, a lo largo de su obra el director apostó por filmes de temática social como La Geisha Ginko, La vida de una mujer o Los lobos, junto con evocaciones líricas de acontecimientos aterradores como Los niños de Hiroshima. Sin embargo, la película que proporcionaría al director el reconocimiento a nivel mundial es La Isla desnuda, obra con la que ganó el Gran Premio en el Festival de Moscú en 1961. Las dificultades de toda índole con las que se encontró para desarrollar su particular tipo de cine le llevaron a plegarse a propuestas más "comerciales", entre las que se encuentran El gato negro y Onibaba.

A diferencia de otros directores de su misma generación, Shindo siempre prefirió trabajar con presupuestos ajustados, casi ínfimos. Aunque Onibaba esté ambientada en plena Edad Media, las referencias al período son casi inexistentes, más allá de las katanas y armaduras que lucen los (escasos) guerreros que aparecen en escena. En realidad se trata de una película atemporal, que funciona más como estudio de las partes oscuras del alma humana que como documento histórico de la época. Más cercano en este sentido a Mizoguchi que a Kurosawa, en Onibaba no aparecen grandes batallas épicas en los que cientos de combatientes se dejan la vida. Tan sólo se perciben en la lejanía los ecos de una guerra entendida como concepto abstracto y cuyas motivaciones no se alcanza a comprender.

Las madres y esposas cuyos hijos y maridos han partido al frente de batalla se encuentran totalmente al margen de unas guerras de poder que no sólo les arrebatan a los suyos, sino que no mejorarán sus condiciones de vida independientemente de quien se alce con la hegemonía militar y política. La marcha de los hombres a la batalla supone además en la mayoría de los casos la pérdida de la principal fuente de ingresos, lo que obliga a los que se quedan a ganarse la vida de la forma más miserable posible. Shindo prefiere así mostrar la "intrahistoria" de la guerra, con cadáveres a los que se despoja de armadura y dignidad y muertes sin el menor atisbo de glamour.

Buena parte del metraje de la película se desenvuelve en los parámetros del cine costumbrista, cuando no directamente neorrealista, porque sólo en estas condiciones de pobreza extrema, en la que los personajes se mueven por instintos primarios, puede tener sentido la fábula que cuenta Shindo. El director refleja, sin denunciarlo, las condiciones infrahumanas en que han de sobrevivir los campesinos, entre cosechas arruinadas por las inclemencias del tiempo y campos enteros destrozados por el fragor de la batalla. Las barreras entre el bien y el mal en este contexto quedan supeditadas a las leyes mismas de la naturaleza. Como en otras películas de su extensa filmografía, Shindo se distancia radicalmente de unos personajes amorales y primitivos a los que se cuida de no juzgar. Quizás ello explique que la cámara en ocasiones vaya a ras del suelo, sin elevarse frente a los personajes.

Y es que Onibaba se desarrolla en un microcosmos propio, cercado por enormes juncos bajo los que laten deseos ocultos, pasiones reprimidas y bocanadas de deseo turbio y oscuro; un mundo en el que las pasiones se sirven en crudo y los escasos signos de civilización que consiguen adentrarse en el mismo están condenados a la putrefacción, cuando no a la destrucción total.

Retrotraídos a un estado primario, los personajes de Onibaba se mueven por instintos básicos (el sentido de posesión, el sexo o el miedo), llegando prácticamente a olvidar hasta el propio habla a medida que sucumben a los impulsos más elementales. En esta fábula de naturaleza panteísta, la simbología natural expresa las ansias vitales de los protagonistas, sus deseos reprimidos. Onibaba está repleta en este sentido de imágenes poderosas que actúan como metáfora de las pulsiones de los personajes. Es sintomática en este sentido la apertura del filme, con los juncos doblándose bajo el inclemente viento, incapaces de retener las pasiones más elementales. Estos mismos juncos se quebrarán posteriormente con docilidad al paso de los juegos de los enamorados. Aunque, sin duda, la secuencia más definitiva en este sentido tiene lugar cuando la vieja mujer descubre a su neura yaciendo con Hachi, y presa de una ira y un deseo incontenibles se abraza al tronco de un árbol seco y solitario, que no es sino ella misma, incapaz de poder amar o sentir y privada del deseo elemental de la compañía humana. La película está repleta de poderosas imágenes subliminales y simbología oculta que se escapan en un primer visionado, debido a la superposición de niveles narrativos de Shindo, un elemento muy característico de su cine, por otra parte.

Pero Onibaba es, además, una inmensa película de terror, si bien los elementos sobrenaturales no aparecen hasta el último tramo metraje, una vez que la madre del soldado muerto se hace con la máscara de un Señor de la Guerra tras engañarle y tirarle al pozo en el que las dos mujeres arrojan los cadáveres que roban.

Lo verdaderamente fascinante de la cinta es que no hay demonios ni espíritus iracundos, tan frecuentes en las producciones orientales de género. Los únicos demonios que han de temer los protagonistas son los internos, y no podrán vivir su vida en plenitud hasta que no consigan vencerlos. Así, la vieja mujer mantiene el control sobre la muchacha a través del miedo que le provoca apareciendo en plena noche parapetada tras la máscara, que hace a la joven volver a casa literalmente aterrada. Sin embargo, una de las noches la muchacha logrará vencer el miedo y acudirá a reunirse con su amado pese a la amenazante presencia del presunto demonio. Es precisamente la actitud de la mujer mayor, que ha impedido que la naturaleza dicte sus propias leyes, al oponerse al encuentro de los amantes por un sentimiento tan humano como el egoísmo, el que provoca el desenlace sobrenatural del relato y su trágico final. Tras asumir, desolada, que su plan ya no le sirve de nada, comprueba que no puede quitarse la máscara de su rostro, presa de una maldición (no hay que olvidar que Onibaba está basada en una leyenda japonesa).

Hasta el sobrecogedor final de la película (que no desvelaremos en su totalidad para aquellos que no han tenido la suerte de disfrutar de esta obra maravillosa) , el mal ha aparecido implícitamente en el perverso movimiento de los juncos, en el terrible agujero en el que se acumulan los despojos, en el aspecto siniestro de la covacha en la que venden los objetos robados, en el alma enferma del personaje de la madre. No se trata de un mal que se pueda corporeizar, sino que está presente en los elementos físicos que aparecen en escena, que adquieren así un carácter onírico, casi mítico.

Para reforzar esta sensación de amenaza oculta, Shindo apuesta por una fotografía áspera, seca, repleta de claroscuros inquietantes y tonalidades oscuras, que transmite una extraña sensación de desasosiego y angustia. El resultado es de una belleza plástica tan sólo comparable a obras maestras del cine expresionista como El gabinete del doctor Caligari. Completando este viaje al corazón de las tinieblas, Shindo emplea una música de tipo tribal, que se repite una y otra vez en círculos hasta alcanzar la nausea vital para aquellos momentos más espesos desde del punto de vista dramático. Tan o más importante que la hipnótica música de Onibaba son los numerosos silencios de la película, que en ocasiones tienden a hacer la atmósfera prácticamente irrespirable, y que acompañan momentos de tensa calma previos al estallido de las pasiones. Shindo llevó en su día esta opción narrativa al extremo en La isla desnuda, película que carece en su totalidad de diálogos.

Onibaba transmite la misma sensación de miedo y desamparo que se tiene al abrir una puerta tras la que se esconde la oscuridad absoluta. Invoca el terror más elemental y primigenio, sin tener para ello que echar mano de presupuestos desmesurados ni efectos digitales a mansalva. Es por ello que no ha envejecido en absoluto en los cuarenta años que han pasado desde su estreno. Uno no tiene muy claro si podrán decir lo mismo el 90% de las bobadas que han asolado el género durante los últimos años.

Todos contra el canon

El Congreso acaba de dar luz verde (PSOE + PP) , al Proyecto de Ley sobre propiedad intelectual para su debate en el Senado.

¿En qué nos afecta la citada LEY?

Entre otras cosas en que a partir de ahora pagaremos un impuesto a la SGAE (Sociedad General de Autores) cada vez que compremos los siguientes artículos:
- 1 ordenador con 160gb de disco duro (22Eu de canon)
- 1 regrabadora de dvd's de ordenador (16,67Eu de canon)
- 1 impresora multifunción (10Eu de canon)
- 1 cámara de fotos con memoria para 200 fotos (9Eu canon)
- 1 reproductor de dvd de salón (6,61Eu de canon)
- 1 Equipo de música de salón (0,60Eu canon)
- 1 reproductor de mp3 (14Eu canon)
- 1 línea adsl 1 MB (35Eu canon "anuales")

- 200 cd's vírgenes para grabar diversos datos (50Eu de canon)

- 100 dvd's vírgenes para grabar diversos datos (140Eu de canon)
¿y por qué pagamos? porque SE PRESUPONE que la impresora la utlizarás para el pirateo de libros.
Así de simple, a partir de ahora si compras un reproductor mp3 se presupone que lo quieres para escuchar musica pirateada. De hecho a día de hoy cada vez que compramos un CD o DVD , pagamos un canon de 0,60 euros a la SGAE, sociedad privada que gestiona los intereses de cantantes , escritores ,artistas etc.
La página de la plataforma que se ha creado para protestar es todoscontraelcanon.es. Y qué es Todos contra el canon?:

La plataforma nace como respuesta a la reforma de la Ley de Propiedad Intelectual. Dicha reforma propicia el establecimiento de un nuevo canon para soportes digitales, que está actualmente en trámite parlamentario y que ha pasado recientemente del Congreso al Senado.
Las organizaciones integrantes de todoscontraelcanon.es rechazan gravar soportes, equipos o redes y la tecnología en general con cánones “cuyos beneficiarios sean un sector económico o una actividad de intermediación específicos”. En su opinión, la medida contraviene el “interés general”, puesto que implica que cualquier colectivo afectado por un cambio tecnológico podría reclamar un canon similar.
Para los integrantes de la nueva plataforma el canon no contribuye a erradicar la piratería o el top manta; antes al contrario, la incentiva, “al incrementar el coste de los soportes y propiciar que la compra de CD sean deslocalizados a países que no cuentan con estos gravámenes”. La plataforma cuenta con miembros como la Asociación de Internautas (AI), la Asociación de Usuarios de Internet (AUI) o Aetic (Asociación de Empresas de Electrónica, Tecnologías de Información y Telecomunicaciones).

(perdón por la autocita).

La hora chanante I

Deme un penique, que yo sabré qué hacer con él

[Presentador] Buenas noches audiencia masiva de Retrospecter, el programa de hoy va de lo malo que es el alcohol y las sustancias tóxicas. La gente que sale en este documental no se priva de nada, le da al tarro, le tira a los palomos, se enchufa al frasco y está todo el día borracha.

[Cesar Romero] Hola chavales, voy a sentarme aquí hasta que venga el revisor y me eche. ¿Cómo estáis, muchachada?
[Niño fiestero] ¿Me da usted un penique?
[Cesar Romero] Penique ya no se usa
[Niño fiestero] Deme un penique
[Cesar Romero] Un euro
[Niño fiestero] Un penique. Deme un penique que yo sabré que hacer con el. Me voy a poner ciego, ciego, ciego, como hago siempre.
[Cesar Romero] Pero, ¿qué quieres?
[Niño fiestero] Churrar, beber
[Cesar Romero] Ay, beber... claro, yo te doy
[Niño fiestero] Mira mi hermana, que está de bajona, que lleva todo el día bebiendo
[Cesar Romero] Jejeje, ¡cómo se ha puesto! Os voy a contar...
[Niño fiestero] No cuente usted nada
[Cesar Romero] Sí. Voy a contar una historia de cuando hice la mili en Marrakech, que construyeron muchísimo antes de la ley de costas, claro.

[Morete cantarín] "Ay cómo voy con los huevos colganderos, modelo talibán, no me aprieta el pantalón"
[Voces morunas] "¡Vamos a fumar unos petas!" "¡Veniros, veniros que hay porros, porros gratis¡"
[Gordo con faja y birrete] Me voy pa`llá
[Mafioso con sombrero] ¡Tú! ¡gordo! ¡gordo! ¿dónde vas gordo? ¿dónde vas, con esa faja, si nunca has invitao a ná? ¡rata!
[Gordo con faja y birrete] Mira, que llevo aquí un porro, una china
[Mafioso con sombrero] Esto está seco y está resobao, ¡no nos vale! ¿Cuánto lleva eso ahí?
[Gordo con faja y birrete] Desde Nochevieja...

[Gordo con faja y birrete] ¡Ay, me lo habéis robao tó, me lo habéis robao tó!
[Mafioso con cara de mala ostia] ¡Gordo! ¡gordo con faja y birrete, no te vayas!... ¡Dispárale!... ¿Bajón de tensión? Pos trae, que yo sé donde atinarle

[Cesar Romero] ¿Qué has aprendido de todo esto, Francis?
[Niño fiestero] Pues que... nunca es suficiente, que hay que ir siempre a tope, ¡ciego siempre! ¡ciego siempre!
[Cesar Romero] ¡Nononononono! ¡Ciego siempre no! ¡Al contrario!
[Niño fiestero] ¡No, lo contrario no! ¡Porque soy joven!
[Cesar Romero] Claro, si joven eres, pero eres muy antiguo, mira que tupé llevas. Algún día crecerás y comerás huevos, ¿eh?, como yo.
[Niño fiestero] ¡Carpe diem!

[Presentador repeinao] A pesar de que el niño lo entendió todo al revés, pues... porque es un crápula, el señor tenía razón, el señor que estaba en la cama. Hasta luego retrospecters adios.

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(Yo también soy un enfermo de la hora chanante)

Vuelve el shoegazing

Estamos ya algo hartos de frialdad ochentera. No queremos más sintetizadores ni imitadores de Ian Curtis. Lo que demandamos es que nos vuelvan a romper los oídos murallas de guitarras encrespadas mientras nos dejamos mecer por voces etéreas. Queremos escenas endogámicas y flequillos que tapan los ojos de guitarristas que tocan mirándose los pies. ¡¡Queremos un revival del shoegazing y lo queremos ya!! Si eres de los que echa de menos el riesgo y el vértigo de discos como Loveless de My Bloody Valentine, las canciones de pop envenenado de los mejores Lush y el sonido Sonic Youth de finales de los 80, seguramente te gusten Asobi Seksu (gracias por la recomendación a Jose Pastiche).
Asobi Seksu (juega al sexo) son una banda de Nueva York capitaneados por la japonesa Auki Chicudake, a la sazón vocalista y teclista de la banda, que canta algunas letras en japonés con un deje a lo Twee Pop. Además de los citados grupos, suelen citar como influencias a Yo la Tengo, Mogwai, Stereolab y The Strokes. Que yo sepa, hasta la fecha tienen dos discos publicados. El último de ellos, Citrus, salió a la venta hará unos quince días. En myspace.com/asobi puedes escuchar canciones del grupo como New Years o Thursday. Ahora sólo falta que algún promotor avispado se decida a incluirlos en la parrilla de este apretado verano festivalero que nos espera.

Es el único habitante de la luna

Pierrot El loco, Jean Luc Godard

Marianne: Se ve bien, la luna, ¿eh?
Ferdinand: No veo nada especial.
M: Si, yo veo a un tipo. ¿Es quizás Léonov, o este americano, ahí, White?
F: Sí, yo también los veo, pero no es ni un popov, ni un nieto del Tío Sam. Te voy a decir quién es.
M: ¿Quién es?
F: Es el único habitante de la luna. ¿Sabes que está a punto de hacer? Está a punto de largarse a toda prisa.
M: ¿Porqué?
F: Mira...
M: ¿Porqué? (Contracampo de la luna)
F: Porque está harto. Cuando vio llegar a Léonov, estaba feliz. ¡Habla! Al fin alguien con quién hablar, después de eternidades en las que fue el único habitante de la luna. Pero Léonov prueba de meterle por la fuerza las obras completas de Lenin en la cabeza. Entonces cuando White llegó a su vez, se refugió con el americano. Pero no había tenido tiempo de decir buenos días, cuando el otro le mete una Coca-Cola en la boca, y le obliga a dar las gracias por adelantado. Entonces está harto. Deja a los americanos y a los rusos quedarse ahí arriba, y él se va.
M: ¿Dónde va?
F: Aquí. Porque encuentra que tu eres bella. Te admira. Encuentro que tus piernas y tu pecho son conmovedores.

Manipulacion informativa

Para que a nadie se le olvide quién y qué manipuló

Los cuatro fanáticos: día del freak revisited

Ayer unos cuantos locos, que no freaks, nos dimos una vuelta por el madrileño festival de cine fantástico que acabará hoy con, entre otras, la psicotrónica The Great Yokai War (si es que tengo que fiarme del buen juicio de quien ha visto esta película de Miike) y lo último de mi odiado Park Chan-wook, Lady Vengeance.

Ayer había freaks en Madrid, pero no estaban en el cine. Estaban paseándose con banderas preconstitucionales y gritando memeces en la manifestación convocada por la Asociación de Víctimas del Terrorismo y auspiciada por el PP. Digo lo de freaks porque me parece más sano aplaudir la muerte de uno de los perturbados mutantes del remake de Las colinas tienen ojos que seguir sembrando insidias sin fundamento sobre la autoría del 11-M o, como señala El País en su editorial de hoy domingo, aventurar que el suicidio de los autores en Leganés "nada tiene que ver con lo que nos contaron".

Madrid estaba lleno de freaks, pero no estaban temblando de miedo con algunos de los sustos de The woods y compitiendo para ver quién llevaba la camiseta más chula. No, en Madrid ayer se concentraron mayor cantidad de freaks por metro cuadrado que en cualquier cocktail de monstruos de la Universal. Ahí podías ver a José Antonio Alcaraz, presidente de la AVT, un antiguo testigo de Gehovah que parece empeñado en que no se llegue nunca a una solución dialogada del conflicto en el País Vasco para poder seguir chupando del bote neo-liberal. También podías ver al increíble Zaplana, un político que, en asunto de las escuchas del CESID por el caso Naseiro, confesó abiertamente estar en política para “forrarse”. Entre la patética corte de freaks que enturbiaban el aire con su mera presencia estaba el malnacido de Jiménez Losantos, ese excomunista maoísta reconvertido a portavoz del régimen del PP. Y no sé si se decidió a pasarse por la manifestación otro de los estandartes ideológicos de esta derecha que nos ha tocado sufrir, Pío Moa, el exterrorista del GRAPO que ha decidido reinventarse la historia y asegurar que en realidad Franco llevó a cabo el golpe militar para defender la república. Estos, entre otros, son los que nos pretenden dar lecciones morales; los que ayer encabezaban la manifestación con la mente puesta en los réditos electorales de la convocatoria y no en las víctimas. Con un inmenso respeto por las víctimas del terrorismo que no se aprovechan de su condición (la gran mayoría), el día del freak tenía que haberse celebrado ayer.

III Muestra de Cine Fantástico y Ciencia-Ficción

Este soldado se tragará mañana seguidas The Woods y el esperado remake Las colinas tienen ojos. Son buenos días para los seguidores del cine fantástico. Si estáis en Madrid y alguna vez os han llamado raros, seguramente os interese esto:

III Muestra de Cine Fantástico y CienciaFicción en Madrid
Con motivo de la llegada del nuevo canal temático Sci Fi, vuelve la Muestra de Cine Fantástico y CienciaFicción, que se celebrará del 8 al 11 de junio de 2006. El madrileño cine Palafox volverá a ser la sede deesta tercera edición de la Muestra.
El canal de ciencia ficción producido por Universal Studios Networks España organiza esta cita con las películas más destacadas del año dentro de los géneros fantástico y de ciencia ficción en todas sus variantes. Muchos de los títulos que forman parte de la programación son inéditos en nuestro país o sólo han podido verse en festivales como Sitges o San Sebastián.
La programación incluye títulos tan atractivos para el público amante del género como Las Colinas Tienen Ojos, esperado remake del clásico de Wes Craven; Ultraviolet, con Milla Jovovich como superheroína futurista; Evil Aliens, una alocada mezcla de ciencia ficción, terror y comedia; Frostbite, reciente ganadora en Fantasporto; y dos de las entregas de Historias para No Dormir : Para entrar a vivir, dirigida por Jaime Balagueró y Cuento de Navidad, dirigida por Paco Plaza.
Durante todo el fin de semana se proyectarán en la pantalla del cine Palafox un total de 14 películas. La programación completa se hará pública próximamente. Las localidades podrán ser adquiridas en la taquilladel cine a partir del 1 de Junio.

CINE PALAFOX
CALLE LUCHANA Nº 15
METRO: BILBAO (LÍNEAS 1 Y 4)
EMT: LÍNEAS 3, 37, 40 y 147

Para más información sobre las películas que se van a estrenar y los horarios podéis acceder a:
http://www.scifi.es/muestra/

Ya ves que tontería

Ya ves qué tontería,me gusta escribir tu nombre, llenar papeles con tu nombre, llenar el aire con tu nombre; decir a los niños tu nombre, escribir a mi padre muerto y contarle que te llamas así. Me creo que siempre que lo digo me oyes. Me creo que da buena suerte. Voy por las calles tan contentay no llevo encima más que tu nombre.

Gloria Fuertes.

Enjoy the silence

No sé si eres uno de los damnificados por esa maldita costumbre que tienen los responsables de los taquillazos de Hollywood de darte toda la información mascada en las películas, como si fueras medio tonto. Teniendo en cuenta la pobreza de algunos guiones, que los personajes de la función se detengan a proporcionar según que datos es redundante e irrelevante y alarga hasta la nausea algunas producciones que ni siquiera debían haber conocido el estreno.

En los tiempos del cine mudo tan sólo bastaba con recurrir a los intertítulos, que ilustraban a la perfección las acciones, diálogos o razones de los personajes. El director alemán F.W. Murnau llevó la técnica al extremo con El último (1924). La vocación experimental del director alemán, responsable de Nosferatu o Amanecer, le llevó a plantearse un ejercicio en el que el lenguaje cinematográfico lo inundara todo, hasta el punto de hacernos olvidar del silencio. Creo haber contado dos o tres intertítulos como mucho en toda la película.

La historia del viejo portero de hotel que es degradado y humillado hasta el punto de encargarse de las letrinas, cuenta además con un libreto del espléndido Carl Mayer y la fotografía inquietante, directamente angustiosa en ocasiones, de Kart Freund (director de fotografía de tantas joyas expresionistas). Pero es que además la película se beneficia del trabajo de un portentoso Emil Jannings. En mi opinión, aquí el actor está a la altura de su papel en El ángel azul. Si en la película de Von Stemberg era la Dietrich la que atormentaba al pobre Jennings, aquí su personaje es vapuleado por el rodillo apisonador de un sistema capitalista que no se atiene a razones.

Septiembre ya no está lejos

Cortázar....
Piensa en esto: cuando te regalan un reloj te regalan un pequeño infierno florido, una cadena de rosas, un calabozo de aire. No te dan solamente el reloj, que los cumplas muy felices y esperamos que te dure porque es de buena marca, suizo con áncora de rubíes; no te regalan solamente ese menudo picapedrero que te atarás a la muñeca y pasearás contigo. Te regalan —no lo saben, lo terrible es que no lo saben—, te regalan un nuevo pedazo frágil y precario de ti mismo, algo que es tuyo pero no es tu cuerpo, que hay que atar a tu cuerpo con su correa como un bracito desesperado colgándose de tu muñeca. Te regalan la necesidad de darle cuerda todos los días, la obligación de darle cuerda para que siga siendo un reloj; te regalan la obsesión de atender a la hora exacta en las vitrinas de las joyerías, en el anuncio por la radio, en el servicio telefónico. Te regalan el miedo de perderlo, de que te lo roben, de que se te caiga al suelo y se rompa. Te regalan su marca, y la seguridad de que es una marca mejor que las otras, te regalan la tendencia de comparar tu reloj con los demás relojes. No te regalan un reloj, tú eres el regalado, a ti te ofrecen para el cumpleaños del reloj.
....Felicidades pequeña

El rey de las camas (deshechas)

La cama deshecha, nuestra vida deshecha de tanto echarnos en cara cubos de basura y verdad.Y el humo veneno que mata en la cuna al último aliento vital, aliento de vida y de nada.Tiré el calendario, los meses tachados, y el vértigo no me deja mirar; el año que quemamos se va. No voy a mirar hacia atrás y ver la cama deshecha. No voy a mirar hacia atrás; miraré adelante aunque sólo sea para no volverme a estrellar. Pero volveré a deshacerla, ya verás.No voy a mirar hacia atrás; miraré adelante aunque sólo sea para no estrellarme ya más.Y volveré a deshacerla otra vez.

Fernando Alfaro.

Tan sólo tienes que juntar los labios y soplar

Howard Hawks, El sueño eterno:

Humphrey Bogart: "¿Por qué has hecho eso?".
Lauren Bacall: "Sólo quería saber si me iba a gustar".
Humphrey Bogart: "¿Y te ha gustado?".
Lauren Bacall: "No lo he decidido aún".
Humphrey Bogart: "Y eso".
Lauren Bacall: "Ya sabes que conmigo no tienes que actuar, Steve. No tienes que decir nada, ni tampoco hacer nada. Nada absolutamente. O quizás solo silbar. Porque sabes cómo silbar, ¿no Steve?. Tan solo tienes que juntar los labios y ... soplar".

Tan sólo tienes que silbar y estaré a tu lado.

Un perro feliz

Hoy, Surfin´Bichos en el Primavera Sound. Intentaré abstraerme del evento, y juro no coger el móvil si me llaman en mitad del concierto. Ya sólo quedan tres semanas para verles en Madrid. Sería feliz como un niño chico si tocaran algunas de las siguientes canciones:

El fantasma en la botella

Oigo una voz interior,
la oigo y obedezco a mi señor.

Debía de haber un fantasma en la botella.
Debía de haber un fantasma en la botella,
porque por la noche me hace levitar,
flotar sobre la cama y luego vomitar
sobre la cabeza de su majestad.

Debía de haber un fantasma en la botella.
Debía de haber algo raro en la botella.

Oigo una voz, una voz interior.
La oigo y obedezco, obedezco al señor.
La oigo y obedezco, obedezco a mi señor .
"Escúchame, hijo mío, has de coger a tu hijito,
y, si tienes fe, has de echárselo de comer a los cerdos".

Llevado de la mano del señor Jesús bendito,
contemplo a los cerdos masticando a mi hijito.
Dime gran espíritu qué tengo que hacer.
Aquí está tu siervo, estoy tan lleno de fe.
Aquí está tu siervo, estoy tan lleno de fe.
"Escúchame, hijo mío, has de buscar cien mil judíos,
y, por su bien, has de quemarlos antes de que salga el sol".

Llevado de la mano del señor Jesús bendito,
contemplo como el fuego purifica a los judíos.
Dime gran espíritu, escucho tu voz.
Aquí está tu esclavo, estoy tan lleno de amor.
Aquí está tu esclavo, estoy tan lleno de amor.
"Escúchame, hijo mío, has de encontrar a una menor
y, si tienes fe, has de sodomizarla en el altar mayor".

Oigo una voz interior,
la oigo y obedezco a mi señor.
Debía de haber un fantasma en la botella.
Debía de haber un fantasma en la botella.

Mi hermano carnal

na tiene, Ana tiene un hermano,
un hermano gemelo,
y él cada vez se engancha más,
y cada vez, cada vez lo ama más
y cada vez su corazón se estira más...

"Calentaré tu alma fría
en las entrañas de un animal.
Sé que duele: es la vida,
sólo la muerte no causa dolor."

"¿Cómo puedo superar el dolor
de mi hermano carnal hoy?
¿Cómo puedo estirar mi corazón
para amarte aún más hoy?"

Las escaleras del Gran Proveedor
cada vez se empinan más;
los caminos del Señor
son tan duros y pedregosos...

"¿Cómo puedo superar el dolor
de mi hermano carnal hoy?
¿Cómo puedo estirar mi corazón
para amarte aún más...?"

"¿Cómo puedo superar el dolor
de mi hermano carnal hoy?
¿Cómo puedo estirar mi corazón
para amarte del todo?

Un alud de septiembre´

Pedro vio por primera vez
donde estaba el verdadero amor;
su escopeta de caza de dos cañones
se apoyaba en un rincón. La certeza del uno
para el otro, y esa atracción
era tan dulce que por fin
se miraron reposadamente los dos
se miraron a los ojos los dos
y ella habló y todo se acabó.

Un alud en pleno septiembre te ha inundado y tú
notas en el vientre
como un alud en pleno septiembre te ha inundado y tú
notas en el vientre
como un dolor, un viejo dolor.

Una flor de septiembre, te tropiezas con ese olor
y la muela del juicio brota en el fondo
de tu alma como un dolor.

Un alud entra por tu ventana sin avisar
y tú no puedes cerrarla y
entra así la luz, brilla tanto la nieve blanca aquí
y tú tan cegado que
no puedes ver nada más.

Atracción planetaria

Juan y María, planetas descalzos en un sueño.
Hay un cristal que se va a romper un día de éstos.
Carne morena y dura que aún sigue creciendo.
Palpitante y en constante movimiento.

Las coordenadas del abismo que hay entre él y ella.
Sólo asomarse y abrirán un camino entre la selva.
Cuerpos celestes en el limbo de la estratosfera,
surcando el mar y atravesando el centro de la Tierra.

La atracción
entre los dos
planetas de amor,
atravesando mundos
que nadie pisó.

No quiero verte para no querer morderte tanto.
No quiero mirarte o mis pupilas dirán lo que yo guardo.
Pero no respondo si me sigues provocando.
No soy una piedra y creo que tampoco soy un santo.

La atracción
entre los dos
planetas de amor,
atravesando mundos
que nadie pisó.

Harto de tu amor

Siempre quiero estar
harto de tu amor,
tenerte tan cerca
que no te quiera ver.

Siempre quiero estar
ciego de dolor
antes que no sentir nada de nada
para siempre.

No quiero mirar
defectos en mi amor,
que la Llama Eterna
desvela en nuestra tez.
Como una película,
hecha por error,
sin principio ni final,
sin sentido, sin sentido,
como la muerte.
¿Es ya tarde?
... todo se me escapa siempre.

Siempre quiero estar
harto de tu amor,
tenerte tan cerca
que no te pueda ver.

Siempre quiero estar
ciego de dolor,
no dejarme llevar,
arrastrar, absorber
por la corriente...

... siempre, siempre.

Peticiones al creador I

Carta a los reyes Magos

Ahora que el creador ha tenido a bien regalarme la posibilidad de ver a Surfin´bichos redivivos, ahí va mi lista de conciertos imposibles:

Tom Waits. Desde que tengo uso de razón, no tengo constancia de que se deje caer por España.
Leonard Cohen. Lleva recluido en un monasterio desde hace años, con sus zapatillas Nike y su sintetizador de la cabra.
Paolo Conte. Sólo toca en Barcelona, y tiene muy mal genio.
Elvis Costello. Digámoslo ya. Vino a Madrid y yo preferí ver a Perry Blake.
Pixies. Siempre van a festivales a los que no voy yo.
Morrisey. No pienso ir a Benicassim para que te vuelva a dar el chungo.
Siouxsie & The Banshees. Ahora se hacen los dignos con The Creatures y de momento aguantan la tentación de reunirse de nuevo. Ya veremos cuando les llamen para un Lollapalooza dentro de un par de años.
Smiths. Morrissey cada vez me cae peor, pero Morrissey & Marr son una de esas fórmulas mágicas a las que no puedes resistirte.
Slowdive. Porque me recuerdan a ti, porque Souvlaki es uno de mis discos de cabecera, porque quiero escuchar Allison en directo, porque quiero regalarte la entrada.
Mojave 3. Si no puedo ver a Slowdive, al menos que pueda ver a esta bonita escisión.

Estos son definitivamente imposibles:
Joy Division
Go-Betweens
Los Ramones
The Clash
Love. Tú no has muerto, Arthur Lee, pero después de escuchar el audio del concierto de Benicassim hace dos años me niego a jugármela.

Espinitas que me quito de encima en breve:
The rolling stones. Si es que al cafre de Keith Richards no le da por volver a hacer cosas impropias de su edad.
Kiko Veneno. El gran Kiko; para qué decir más.
New order. Ya sé que en concierto son un puñetero horror, pero es lo más cerca que voy a estar nunca de ver a Joy Division.
Surfin´Bichos. Fernando Alfaro es dios.
Belle and Sebastián. Aunque les prefiero tristes, disfrutaré mucho en el Summercase.
The Charlatans. Simpatico es un paso en falso, pero con ese repertorio de joyas no deberían fallar en concierto.
Maximo Park. Hacía años que no me impactaba tanto un debut que proviniese de la Pérfida Albión (también el de Bloc Party).

Aquel incendio

"Sí, es muy joven. Usted sólo conoce la ciudad desde que la cruzó en tren. Era muy diferente entonces, muy diferente, señor Scott....muy diferente".

James Stewart, en El hombre que mató a Liberty Valance.

dios existe: Surfin´Bichos vuelven a la vida

Si vives en Barcelona o Madrid (en breve anuncian más fechas), vas a tener la oportunidad histórica de ver al, para que esto escribe, mejor grupo español de todos los tiempos: Surfin´bichos. No soy nada partidario de exhibiciones sentimentales en este espacio, pero he perdido la cuenta de los años que llevo esperando este momento o de los mercadillos que me he pateado buscando algunos de los CD que llevan descatalogados durante años, como Hermanos Carnales. Hace casi 12 años que descubrí su último disco, El amigo de las tormentas, con el grupo ya separado, y desde entonces he perseguido obsesiva y compulsivamente la obra tanto de Fernando Alfaro como del resto de miembros.

Y por si fuera poco, Subterfuge anuncia la reedición de la obra del grupo, ampliada y corregida. Juro que es uno de esos días en los que te da miedo hasta moverte por si te despiertas.

Entrevisté a Fernando Alfaro en el concierto de presentación del primer disco de Chucho, 78. Los nervios, la inexperencia y mi fetichismo arruinaron una entrevista que ni siquiera llegó a emitirse. Probablemente él ni se acuerde, pero llegamos a hablar de la posibilidad de que se pasase por la radio para poner sus discos favoritos. Ahí se quedó la cosa, y me hubiera gustado hacerlo, de verdad, para atreverme a decirle todo lo que han significado Surfin´Bichos para mí. Pienso que después de tantos años volvería a cometer los mismos errores de principiante en la entrevista y acabaría balbuceando las mismas estupideces que entonces. 12 años después aún se me sigue erizando el vello al escuchar La oración del desierto, al reconocerme en la piel de tantos de los personajes de sus canciones.

Este estupendo artículo de David Saavedra (http://www.-silbato.net/surfin%20bichos.htm) resume a la perfección la idiosincrasia de un grupo irrepetible. Tan sólo lamento no tener algo más de tiempo para hacerlo yo mismo.


VERSÍCULO 1

Finalmente ha sucedido. Fernando Alfaro (voz y guitarra), Joaquín Pascual (guitarra), José Manuel Mora (bajo), Carlos Cuevas (batería) e Isabel León (teclado y voces) han decidido atender por una vez las numerosas plegarias de reunión de Surfin' Bichos y, como pequeño regalo a sus fans, vuelven a nacer. El festival Primavera Sound ha sido el principal catalizador de esta resurrección, que será fugaz y sin ánimo de continuidad. Cuatro conciertos más por la Península en el mes de junio y el grupo volverá a ser enterrado para siempre, dejando aire para los próximos proyectos de sus componentes. No habrá material nuevo, simplemente una rememoración en vivo de parte del legado de uno de los grupos imprescindibles de la historia del rock español. Se habla, sí, de una reedición ampliada de su primer álbum, “La luz en tus entrañas”, y un probable recopilatorio, pero ésa ya es otra historia al margen. Consideren el regreso de Surfin' Bichos como un simple flash, una pequeña trampa en la memoria que vuelva a provocarnos aquel arrebato.

VERSÍCULO 2

Llegaron en el cruce de dos décadas, un momento incierto en que los últimos coletazos de la Nueva Ola eran ya apenas cenizas y la explosión de sellos y festivales independientes era algo difícil de prever. Surfin' Bichos pusieron a Albacete en el mapa rock y crearon un mundo nuevo en tierra de nadie. Tenían un pie en universos enfermos de origen anglosajón (Nick Cave, David Cronenberg, Black Francis, William S. Burroughs, Joel-Peter Witkin) y otro, quizá más inconsciente, en la pulsión psicópata y la sordidez atávica heredada de la cultura patria. En los surcos de sus discos parecían transpirar los espíritus de Goya, Buñuel, Leopoldo María Panero, Pascual Duarte, Puerto Urraco o la película “Furtivos” de José Luis Borau. A ello añadieron una imaginería bíblica con inquietantes conexiones interplanetarias. Comenzaron siendo, en sus propias palabras, “cuatro hermanos carnales que tocan pop bastardo” y anticiparon la fiebre noise-pop hispana con una perspectiva abierta a géneros como el garage 60's o la bossanova en un universo más luminoso de lo que podían aparentar esas canciones a ras de tierra, en carne viva. Fue, lo que se dice, un grupo seminal, siempre valorado a determinados niveles (nunca el comercial, por supuesto), que fue elegido para telonear a Nirvana en la época del “Nevermind” y cuyas letras (no es broma) llegaron a ser objeto de análisis por estudiantes de Teología. En 1994 amputaron su futuro o, mejor dicho, lo transformaron bajo los nombres de Mercromina y Chucho pero ésa, de nuevo, vuelve a ser otra historia.


VERSÍCULO 3 (DISCOGRAFÍA)

1989: La luz en tus entrañas
1990: Gente abollada EP
1991: Fotógrafo del cielo
1992: Hermanos carnales
1993: Family Album Vol.1
1994: El amigo de las tormentas

Texto: David Saavedra